Als Johannes Brahms am 7. Mai 1833 in Hamburg das Licht der Welt erblickte, war Ludwig van Beethoven gerade sieben Jahre tot. Doch legte sich sein Schatten auf die musikalische Produktion des gesamten Jahrhunderts. Auf dem Gebiet der Sinfonik, des Streichquartetts oder der Klaviersonate führte einfach kein Weg an Beethovens einschlägigen Meisterwerken vorbei!

Gerade am Schaffen von Johannes Brahms kann man die fördernde, aber auch die lähmende Wirkung eines solchen großen Vorbilds nachvollziehen. Brahms‘ frühe Klaviersonaten und -variationen, besonders wenn der Komponist selbst am Instrument saß, atmeten sinfonische Größe und Fülle, und Robert Schumann als begeisterter Förderer des jungen Kollegen stellte Brahms umgehend als den künftigen Sinfoniker vor – und weckte damit in der Fachwelt Erwartungen, hinter denen sich der derart Gepriesene am liebsten versteckt hätte. So benötigte Johannes Brahms für die Vollendung seiner 1. Sinfonie über 20 Jahre. Doch nach deren erfolgreicher Uraufführung 1876 in Karlsruhe war „der Knoten geplatzt“, so dass in den Jahren 1877-85 noch drei weitere Sinfonien folgten und ihm auch die Konzertproduktion nun leicht von der Hand ging.

Ganz anders bei Beethoven: Nach der 1. Sinfonie, die mit großem Beifall aufgenommen worden war, irritierte jede weitere Sinfonie Beethovens das Publikum von neuem und wurde als „bizarr“ wahrgenommen. Schon mit der 2. Sinfonie mutete Beethoven seinem Publikum einiges mehr zu als bei seinem sinfonischen Erstling.  Und die „Eroica“ übertraf mit ihren 55 Minuten Spieldauer ihre Vorgängerwerke noch einmal an Länge, Lautstärke und Intensität des Ausdrucks ...

Zwei Geiger waren im Leben von Johannes Brahms wohl besonders wichtig. Zum einen der Ungar Eduard Reményi, mit dem er 1853 eine gemeinsame Konzerttournee durch Deutschland unternahm und der ihn mit seinem Repertoire zu den – deutlich später erschienenen – Ungarischen Tänzen inspirierte, der ihm überhaupt eine große Liebe zu dieser Volksmusik ins Herz pflanzte. Zum anderen Joseph Joachim, ebenfalls in Ungarn auf die Welt gekommen. Schon mit sieben Jahren hatte Joachim als Solist brilliert und sein Studium in Wien begonnen; fünf Jahre später wechselte er an das Leipziger Konservatorium; 1844 erweckte er bei einem Londoner Konzert Beethovens Violinkonzert aus jahrelangem Dornröschenschlaf. Als er im März 1848 mit dem Beethoven-Konzert in Hamburg gastierte, war im Publikum der 15jährige Brahms, welcher sich einige Jahre später des unvergesslichen Erlebnisses erinnerte: „Ich war gewiss Dein begeistertster Zuhörer. Es war eine Zeit, in der ich noch recht chaotisch schwärmte, und es mir gar nicht darauf ankam, Dich für Beethoven zu halten. Das Konzert hielt ich so immer für Dein Eignes.“ Zum ersten Mal persönlich begegnet – übrigens während der Tournee mit Reményi – waren sich Brahms und Joachim im Frühjahr 1853, es sollte der Beginn einer lebenslangen Freundschaft werden.

Doch musste der Geiger noch ein Vierteljahrhundert warten, bis er 1878 von dem in Pörtschach am Wörthersee weilenden Komponisten jene Nachrichten bekam, die er vermutlich schon lange herbeisehnte: Brahms hatte sich an die Komposition eines Violinkonzertes gemacht, schickte Skizzen zur Solostimme des ersten Satzes mit und schrieb dazu: „Ich wollte Dich natürlich bitten zu korrigieren …Nun bin ich zufrieden, wenn du ein Wort sagst, und vielleicht einige hineinschreibst: schwer, unbequem, unmöglich usw.“ Tatsächlich machte Joachim – sogar noch nach der Leipziger Uraufführung – zahlreiche Änderungsvorschläge. Manche davon akzeptierte Brahms, andere nicht.

Ursprünglich wollte Brahms dem Violinkonzert vier Sätze geben, was den ohnehin auffälligen sinfonischen Charakter noch stärker betont hätte. Doch ersetzte er schließlich die beiden Mittelsätze (man nimmt an, dass sie in das zeitgleich begonnene und 1881 vollendete Zweite Klavierkonzert Eingang fanden) durch ein von ihm selbst so bezeichnetes (Brahms‘ mitunter seltsamer Humor lässt grüßen) „armes Adagio“.

Wenn hier vom sinfonischer Charakter die Rede ist, meint dies das Selbstverständnis des Soloinstruments als gleichrangiger Teil des Ganzen, wie es schon der Beginn des ersten Satzes exemplarisch zeigt: Zwar brilliert die Violine bei ihrem Eintritt mit höchst virtuosem Figurenwerk; die Exposition der beiden Themen zuvor hat sie jedoch dem Orchester überlassen. Und „sinfonisch“ meint ebenso die Dichte, die Komplexität der thematischen Verarbeitung: Fortwährend wird moduliert und sequenziert, werden von größeren thematischen Bausteinen neue kleinere Motivteile abgespalten, die sich auf den Weg durch die Komposition machen und Spuren hinterlassen, bevor andere ihr Ziel erreicht haben. Kein Wunder, dass Brahms‘ Zeitgenossen sich bei aller Anerkennung doch eingestehen mussten, unmittelbar zugänglichere Musik zu kennen. Eduard Hanslick, die Brahms nahestehende Wiener Kritikerinstanz, bemühte sich denn auch um den Spagat zwischen Lob und Kritik: „Ein Werk von starkem, hohem Wuchs, dabei von jener ruhigen, echt männlichen Heiterkeit, die zu unserer Freude immer mehr Boden gewinnt im Gemüte des Komponisten … Manch herrliche Gedanken kommen nicht zur vollen Wirkung, weil sie zu rasch verschwinden oder zu dicht umrankt sind von kunstvollem Geflecht … Ein Musikstück von meisterhaft formender und verarbeitender Kunst, aber von etwas spröder Erfindung und gleichsam mit halbgespannten Segeln auslaufender Phantasie.“ 

Selbst Joseph Joachim, so heißt es, brauchte längere Zeit, um das Konzert liebzugewinnen. Bald aber trat es seinen Siegeszug durch die Konzertsäle an, und heute dürfte es wohl keinen Geiger von Rang und Namen geben, der es nicht im Repertoire hätte. In der Publikumsgunst ist vielleicht besonders das rauschhafte Finale gar nicht so weit entfernt von der Popularität der Ungarischen Tänze. Das Konzert steht seit langem an genau jenem Platz, den Hanslick schon 1879 behauptete und doch nicht zu erhoffen wagte: „Brahms‘ Violinkonzert darf wohl von heute ab das bedeutendste heißen, was seit dem Beethovenschen und Mendelsohnschen erschien; ob es auch in der allgemeinen Gunst mit jenen beiden jemals rivalisieren werde, möchte ich bezweifeln.“   

Prinz Louis Ferdinand von Preußen war bei seinem Wien-Aufenthalt 1804 so begeistert von Beethovens neuer Sinfonie, dass er sie sich gleich ein zweites Mal vom Orchester hat vorspielen lassen (so weiß es zumindest die Überlieferung). Die Mehrheit des Uraufführungspublikums, das die Sinfonie, nachdem sie in mehreren Privataufführungen bereits im kleineren Kreise erklungen war, am 7.4.1805 über sich ergehen lassen musste, war froh, als das Werk endlich vorbei war. Der Grundtenor des gestressten Publikums nach den denkwürdigen ersten Aufführungen war stets: zu verworren, zu laut und – so immer wieder zu lesen – vor allem zu lang!

Die Irritationen der Zeitgenossen sind jedoch durchaus nachvollziehbar: Eine Sinfonie von über 50 Minuten Spieldauer hatte es vorher noch nicht gegeben (in seinen ersten beiden Sinfonien hatte Beethoven jeweils nur etwas weniger bzw. mehr als eine halbe Stunde für die vier Sätze benötigt …). Und auch in der Gestaltung des sinfonischen Kolosses mutete Beethoven den damaligen Zuhörern einiges zu: In die kompromisslose Tonsprache einer konsequenten motivisch-thematischen Arbeit, deren Verdichtung zum Teil in wilde Dissonanzenfelder mündete, musste sich der Hörer erst einmal einleben. Den vollstimmigen Orchestersatz bezeichnete der Rezensent des „Freimütigen“ dann auch schlicht als einen „Tumult der Instrumente“.

Die Hauptarbeit an der „Sinfonia eroica“ fällt wohl in die Jahre 1803/04, wobei erste Gedanken bereits während der Arbeit an der 2. Sinfonie zur Papier gebracht sein dürften. Auch nutzte der Komponist die ersten Aufführungen des neuen Werkes, um letzte Änderungen und „Retuschen“ anzubringen. Erst das Erscheinen des Erstdruckes (im Wiener Kunst- und Industrie-Kontor, Oktober 1806) bedeutete das vorläufige Ende der Arbeit an diesem Werk.

Die Beziehung der „Eroica“ zum Franzosenkaiser Napoleon Bonaparte sollte nicht überbewertet werden. Zwar hatte Beethoven eine Widmung dieses zudem sehr repräsentativen Werks an Napoleon erwogen – dies aber wohl vor allem aus pragmatischen Gründen, denn er spielte zu dieser Zeit ernsthaft mit dem Gedanken einer Übersiedlung nach Paris und hoffte, sich mit einer solchen Widmung einen gewissen Vorteil verschaffen zu können. Dann jedoch verkaufte Beethoven die Widmung und ein zeitweiliges alleiniges Nutzungsrecht der Sinfonie an den Fürsten Franz Joseph Maximilian von Lobkowitz, einen seiner wichtigsten Förderer und Mäzene, und aus der beabsichtigten Widmung wurde ein „geschrieben auf Napoleon“. („Intitulata Bonaparte“ benannte es die von Beethoven korrigierte und autorisierte Partiturabschrift, bevor der Komponist mit einem dicken Radiergummi die Spuren dieser Erinnerung zu tilgen versuchte.)

Augustin Hadelich, in dieser Saison Artist in Residence des Konzerthauses Berlin, hat sich als einer der großen Geiger seiner Generation etabliert. Neben seinen umfassenden Konzertaktivitäten in Nordamerika trat er weltweit mit namhaften Orchestern wie den Berliner Philharmonikern, London Philharmonic Orchestra, Concertgebouworkest, Orchestre National de France, Orquesta y Coro Nacionales de España und der Academy of St Martin in the Fields auf. Engagements in Fernost führten ihn zum Hong Kong Philharmonic Orchestra, Seoul Philharmonic Orchestra und NHK Symphony Orchestra. Sein Debüt bei den BBC Proms gab er 2016, bei den Salzburger Festspielen debütierte er 2018, beim Verbier Festival 2021. In der Spielzeit 2022/23 war Augustin Hadelich Artist in Residence des WDR Sinfonieorchesters.

Hadelichs Aufnahmekatalog umfasst weite Teile der Violinliteratur. 2016 wurde er für seine Aufnahme des Violinkonzerts „L‘Arbre des songes“ von Dutilleux mit einem GRAMMY Award ausgezeichnet. Für seine Aufnahme „Bohemian Tales“ mit Dvořáks Violinkonzert, eingespielt mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, erhielt er 2021 einen Opus Klassik Award. In seiner jüngsten Einspielung „Recuerdos“ widmet er sich gemeinsam mit dem WDR Sinfonieorchester Werken von Britten, Prokofjew und Sarasate.

Augustin Hadelich, heute amerikanischer und deutscher Staatsbürger, wurde 1984 als Sohn deutscher Eltern in Italien geboren. Er studierte bei Joel Smirnoff an der New Yorker Juilliard School. 2006 gewann er den Internationalen Violinwettbewerb in Indianapolis. Weitere Auszeichnungen folgten: 2009 in New York der „Avery Fisher Career Grant“, 2011 Fellowship des Borletti‐Buitoni Trust. 2017 wurde ihm die Ehrendoktorwürde der University of Exeter (UK) verliehen. Das Fachmagazin „Musical America“ wählte ihn 2018 zum „Instrumentalist of the Year“. 2021 wurde Augustin Hadelich in den Lehrkörper der Yale School of Music berufen. Er spielt auf einer Violine von Giuseppe Guarneri del Gesù aus dem Jahr 1744, bekannt als „Leduc, ex Szeryng“, einer Leihgabe des Tarisio Trusts.