„Das All ist ein harmonisches Eins“, schreibt Johann Wolfgang Goethe in seinen „Maximen und Reflexionen“. „Jede Kreatur ist nur ein Ton, eine Schattierung einer großen Harmonie.“ Er war zwar nicht der erste, der das altgriechische Prinzip des „hen kai pan“ – „alles ist eins“ – übersetzte in musikalische Metaphorik, doch wurden seine Gedanken dazu besonders prominent. Im Vorwort von „Aetherworld: Josquin, Mirrored“ zitiert die Komponistin Shiva Feshareki die Autorin, Gesangslehrerin und Therapeutin Jill Purce, deren Theorie sich zweifelsohne an Goethe anlehnt: „Ich sehe die Harmonik als die Idee der Schöpfung aus dem Einen“, schreibt sie, „aber nicht der Schöpfung durch Vervielfachung, sondern der Schöpfung durch Teilung. So wird das Eine zur Zwei, zur Drei und zu Tausenden von anderen Dingen.“

Die Rhetorik geht aber noch weiter: Denn Harmonie und Harmonik funktionieren ja als noch viel größere Konzepte, nicht nur als musikphilosophische und -theoretische Fachbegriffe und Metaphern für kosmische Realitäten. Schlussendlich geht es bei der Harmonik, wie Feshareki schreibt, „um die Ordnung der Welt und des Universums, die mit der Ordnung in uns selbst zu tun hat.“ Man füge hinzu: Und mit der gesellschaftlichen und politischen Ordnung. Wenn, verkürzt gesagt, alles eins ist und Musik der klingende Beweis dafür, dann hat umgekehrt Musik noch viel mehr mit uns und unseren politisch, sozial und psychologisch bedingten Lebensrealitäten zu tun als oft behauptet wird.

„Mein Vater spielte in der Kirche Orgel und Klavier. Das ist meine früheste Erinnerung an Musik,“ erzählt Derrick Skye. Improvisierte Worship-Musik, Schwarze Gospel-Stimmen – das prägt natürlich für das Leben als Komponist, von dem Skye bis heute nicht ganz überzeugt ist. Denn Astronomie, das All, die Sterne faszinieren ihn mindestens genauso. Vielleicht wird er irgendwann doch noch Astronaut. Jetzt ist er aber erst einmal Komponist und das auch erfolgreich.

Seit über 10 Jahren berät er das Los Angeles Chamber Orchestra in künstlerischen Fragen. Damals trug er noch seinen Familiennamen Spiva. Das war der Name, den seine Vorfahren bei der Versklavung durch die Amerikaner erhielten. Im Sommer 2021 änderte er ihn zu Skye – natürlich eine Anspielung auf seine Liebe zur Astronomie. Dass das möglich war, gab ihm Kraft. „Ich konnte bewirken, dass der Staat mich so nennt, wie ich genannt werden möchte. Und das ist derselbe Staat, der in der Vergangenheit Namen und Kulturen von Menschen ausgelöscht hat.“

Dieses Gefühl der Anerkennung und Wertschätzung ist genau das, was Skye mit seinen Werken dem Publikum vermitteln möchte. Und deswegen arbeitet das Los Angeles Chamber Orchestra auch so gern mit ihm zusammen. Skye sei einer jener Künstler, die, wenn man ihnen eine Grenze oder ein Genre vorgibt, diese nicht einfach überschreiten, sondern neu definieren, so beschreibt es der Geschäftsführer des Ensembles.

Eigentlich könnte man Skye auch als Erfinder bezeichnen. Während seiner Zeit auf dem College fand er heraus, dass es in der Wissenschaft üblich ist, Geräte, Methoden, Techniken, die einem während der Forschung hilfreich sein könnten, selbst zu bauen oder eben zu erfinden. Warum also dieses Vorgehen nicht auch bei Musik anwenden?

Die meiste Zeit bestand Orams Aufgabe darin, schrille Soundeffekte etwa für Hörspiele zu entwickeln – doch sie war unzufrieden: Das Potenzial, das die Elektronik für eine ganz neue Musiksprache bot, blieb aus ihrer Sicht ungenutzt. Und so arbeitete sie nachts allein weiter, räumte Tonbandgeräte und Kabel beiseite und richtete sich ein eigenes Mehrspurstudio für die Produktion sinfonischer Werke ein. Anders als Stockhausen, Boulez und all die anderen Männer hatte Oram bei ihrem visionären Vorhaben allerdings mit Widerstand zu kämpfen: „Die BBC war eine von Männern geführte Institution in einer sexistisch geprägten Welt“, zitiert BBC-Korrespondentin Holly Williams die Dramatikerin Isobel McArthur. „Ihr wurde entgegengehalten: Diese Frau ist sehr schwierig, eigensinnig und stur, und das sind alles schlechte Eigenschaften für eine Frau.“

Trotz all dem begann Oram bereits im Jahr 1948, vier Jahre vor Karlheinz Stockhausens ersten Gehversuchen mit „Studie I“ und „Studie II“, die Arbeit an ihrem Orchesterwerk „Still Point“ – die vermutlich erste Komposition weltweit, in der elektronische Klänge in Echtzeit manipuliert werden. Sie schrieb das Werk vor dem Eindruck ihrer Erinnerungen an die deutsche Bombardierung Londons während der Luftschlacht um England in den 1940er Jahren. Ihr Arbeitsplatz, die Royal Albert Hall, nämlich war mit ihrer Glaskuppel ein besonders vulnerabler Ort: Dort balancierte die junge Frau unter anderem regelmäßig die Rundfunkübertragungen der Konzerte aus. Hätte nun die Halle evakuiert werden müssen, oder wäre tatsächlich während eines Live-Konzerts ein Sprengsatz durch die Decke gerauscht – und das war ein durchaus realistisches Szenario –, hätte Oram, sofern sie dazu noch in der Lage gewesen wäre, schnell eine Platte auflegen müssen – damit die Musik im Radio weiterläuft.

Daphne Oram, 1962

Vier Jahre lang hat die Komponistin und Turntablekünstlerin Shiva Feshareki zusammen mit dem Komponisten und Sounddesigner James Bulley in Daphne Orams Nachlass geforscht, in Archiven in ganz Großbritannien, um „Still Point“ wiederzufinden: Nach 20 Jahren, die sie als verschollen galt, wollte Feshareki die abgeschlossene Partitur dieses bahnbrechenden Werks endlich aufführen – zum ersten Mal überhaupt. Im Dezember 2016 dann entdeckte James Bulley das Stück tatsächlich, und zwar im Nachlass des Komponisten Hugh Davies – nur zwei Jahre später brachte Feshareki es bei den BBC Proms zur Uraufführung. Minutiös hielt sich die Komponistin und Turntable-Artistin dabei an Orams detaillierte handschriftliche Anweisungen: Vor Beginn der Aufführung nämlich sollen Fragmente beider Orchesterparts in einem Studioraum aufgenommen werden – Oram nennt in ihren Notizen das Maida Vale Studio 1 der BBC. Für beide Sessions plante die Komponistin mindestens einen ganzen Tag ein.

Feshareki nun hält sich an diese Vorgaben Orams und entwickelt sie gleichzeitig weiter, indem sie ihre eigenen, moderneren Techniken und ihre Interpretation von Orams musikalischer Ästhetik miteinander verbindet. Bei der Aufführung arbeitet sie, basierend auf Orams Anweisungen, mit unterschiedlichen Techniken wie etwa Echoeffekten, Geschwindigkeitsmanipulationen, die sich auch auf Tonhöhe und Tempo auswirken, Zurückspulen, Zeitlupen-Rückwärtsschleife und Rückwärtslauf, Entfernen bestimmter Frequenzen und Mischen der Aufnahmen auf den verschiedenen Platten.

In ihrer künstlerischen Arbeit nehmen Plattenspieler und analoge Tonbandgeräte für Feshareki eine zentrale Rolle ein – allerdings, schreibt sie in einem Gastbeitrag für BBC, nutzt sie sie „nicht so, wie sie eigentlich gedacht sind.“ Vielmehr wird das Equipment zur Wiedergabe von Klang bei ihr zum eigenständigen Instrument: „Im Laufe der Zeit habe ich meine eigenen Techniken entwickelt, die die Bewegung der sich drehenden Platte nutzen, um elektronische Klänge in verschiedenen Formen und Perspektiven zu manipulieren“, schreibt Feshareki. So erschafft die Künstlerin die elektronischen Klänge immer live im Moment, „auf improvisatorische Art und Weise“, und hat dabei immer den Raum im Blick und im Ohr – ihn betrachtet sie genauso als kompositorisches Mittel wie etwa Harmonie und Rhythmus. Beim Komponieren und Improvisieren „denke ich darüber nach, wie sich der Klang im Raum bewegt und mit der Akustik interagiert“, schreibt sie: Das Publikum soll ihn als „greifbare Bewegung“ ganz tatsächlich zu spüren bekommen.

In ihrem Werk „Aetherworld“ von 2021 macht Feshareki diesen Ansatz zum Programm: Der Äther, auf den sie sich im Titel bezieht, das fünfte Element der alchemistischen Chemie und frühen Physik, wurde lange verstanden als „Stoff, der das Universum jenseits der irdischen Sphäre ausfüllt“. Im Gegensatz zu den anderen vier Elementen ist der Äther bei Aristoteles allerdings unwandelbar und ewig – eine alles durchdringende Substanz, die alles Seiende verknüpft. Laut dem Medienwissenschaftler Stefan Kramer wohnt dem Äther so ein medialer Charakter inne: Er verbindet die materiellen Elemente miteinander und verleiht ihnen dadurch Bedeutung, „um sie selbst in das Zentrum einer sinnerfüllten Substanz zu stellen“.

„Aetherworld“ soll die Zuhörenden auf gleiche Weise „in Zeit und Raum miteinander verbinden“, schreibt Feshareki, um auf dieser Grundlage dem Geist zu erlauben, „sich in alle Richtungen und Dimensionen auszudehnen, innerhalb eines gemeinsamen Moments“.

Das Vocalconsort Berlin gilt als eines der besten Vokalensembles Deutschlands. 2003 gegründet, arbeitet der Chor mit unterschiedlichen Dirigenten, aber auch mit festen künstlerischen Partnern wie Daniel Reuss, Folkert Uhde und Sasha Waltz zusammen.

Das Vocalconsort Berlin ist regelmäßig in den Musikmetropolen und auf den großen Festivals Europas präsent. Wandlungsfähig in der Besetzung, reicht das Repertoire des Ensembles von Alter Musik bis hin zu zeitgenössischen Werken. Es feiert mit seiner beeindruckenden Homogenität Erfolge sowohl in a cappella-Aufführungen als auch in szenischen Produktionen wie Glucks Oper „Orfeo ed Euridice“, mit denen es bewusst die Grenzen der klassischen Genres und Disziplinen überschreitet.

Das Vocalconsort Berlin arbeitete bereits mit Dirigenten wie René Jacobs, Kent Nagano, Peter Ruzicka, Sir Simon Rattle, Marcus Creed, Jos van Immerseel, Pablo Heras-Casado, Christophe Rousset und Vladimir Jurowski zusammen. In den letzten Jahren intensivierte sich zudem die Zusammenarbeit mit dem Konzerthausorchester Berlin, der Staatsoper Unter den Linden sowie der Komischen Oper Berlin.

Shiva Feshareki ist eine mit dem Ivor Novello ausgezeichnete britisch-iranische Komponistin und Turntablist. Sie hat am Royal College of Music promoviert und bewegt sich an der Schnittstelle zwischen zeitgenössischer Klassik und elektronischer Musik. Feshareki ist international in Kunstgalerien und auf Raves aufgetreten, mit bemerkenswerten Auftritten bei den BBC Proms (Royal Albert Hall, London), im Southbank Centre und Barbican Centre (London), De Bijloke (Gent), Helmut List Halle (Graz), Sonar (Barcelona), Moskauer Museum Moderne Kunst, Casa Del Lago (Mexiko City), Mutek (Montreal), bei den Berliner Festspielen (Kraftwerk, Berlin), in Hellerau (Europäisches Zentrum der Künste, Dresden), bei den Kunstfestspielen Herrenhausen (Hannover), beim Amsterdam Dance Event und in der Greek National Opera (Athen). Ihre eigenen Werke hat Feshareki mit den BBC Singers, dem BBC Concert Orchestra, dem London Philharmonic Orchestra, dem London Contemporary Orchestra, dem Ensemble Modern, dem Nederlands Kamerkoor, dem RSO Wien, den Düsseldorfer Symphonikern und dem Orchestre National de Lyon aufgeführt, um nur einige zu nennen.

„Sebastian Heindl spielt die Orgel nicht einfach nur. Er kann sein Publikum in den Himmel heben oder ins Elend versenken – ein Leipziger Wundermusiker“, schrieb DIE ZEIT 2021.
In den letzten Jahren erregte der 24-Jährige durch zahlreiche Wettbewerbserfolge internationale Aufmerksamkeit. Aufgrund seines einnehmenden Charismas und seiner Experimentierfreudigkeit ist Heindl inzwischen ein gefragter Virtuose auf den führenden Konzertpodien. Seine musikalische Grundausbildung erhielt er im Thomanerchor, anschließend studierte er an der Hochschule für Musik Leipzig. 2022 wurde er zum Organisten und Kirchenmusiker der Kaiser-Wilhelm-Gedächtnis-Kirche Berlin gewählt.

David Sheppard lebt in England und ist Sounddesigner, der mit seinem Unternehmen Sound Intermedia in den letzten 25 Jahren an einer Vielzahl von Projekten auf der ganzen Welt mitgewirkt hat. Er arbeitet mit vielen führenden Orchestern, Ensembles und Opernhäusern sowie mit Rock- und Popmusikern, bildenden Künstlern, Tanz- und Filmschaffenden zusammen. Er unterstützt Komponisten und Künstler bei der Umsetzung ihrer Ideen, ist aber auch als Klanginstallationskünstler und Elektronikproduzent bekannt. Zuletzt arbeitete er mit Hannah Peel, Jon Hopkins und dem Speakers Corner Quartet zusammen. Neben Performance-Events hat er auch Installationen und immersive Erlebnisse entwickelt, darunter das Design für die erste Hyper-Reality-Oper „Current Rising“, die vom Royal Opera House in Auftrag gegeben wurde, und ein interaktives Sounddesign für die Ausstellung „Opera, Passion Power and Politics“ im Victoria and Albert Museum.
Im Jahr 2019 gründete er Loss >< Gain, eine Partnerschaft für immersive Erlebnisse. Im Jahr 2025 wird er sich mit der Erforschung von Spatial-Audio-Shows an Grass Roots Konzertorten befassen. Daneben sind Projekte mit Künstlern wie der Colin Currie Group, Sigur Ros und dem BBC Symphony Orchestra geplant.