„Es gibt Komponisten, die ihre Werke sehr bewusst bauen, ich zähle mich dagegen zu denen, die ihre Werke eher ‚züchten’. Die von mir verinnerlichte Welt bildet gleichsam die Wurzeln eines Baumes, die daraus gewachsene Komposition seine Zweige und Blätter.“

Was die Komponistin Sofia Gubaidulina hier beschreibt, ist ein Bekenntnis: Alles, was wir jemals von ihr hören werden, ist in seiner tiefsten Essenz immer mit ihr als Mensch verbunden, untrennbar. Ihre „verinnerlichte Welt“ beschreibt dabei das Ergebnis ihrer Sozialisation, ihre Art auf die Welt zu blicken und Fragen, Forderungen und Wünsche an sie zu formulieren, genauso aber auch das Konglomerat an Erfahrungen und Glaubenssätzen, das sie als Mensch und ja, als Frau geprägt hat.

Komponist*innen sind nämlich nie frei von der Umwelt, in der sie aufwachsen und leben. Ihr Werk erhebt sich nicht über die Umstände, denen es entsprungen ist. Vor diesem Hintergrund ist Gubaidulinas Bekenntnis auch ein demütiges: Sie ist ganz und gar Mensch, und was sie erschafft, wird nie übermenschlich oder „genial“ sein.

Denn ihre Aussage geht noch weiter: Die Kompositionen sind die Zweige und Blätter des Baumes ihrer verinnerlichten Welt, und dementsprechend könne man sie „zwar als neu bezeichnen, aber es sind eben dennoch Blätter, und unter diesem Gesichtspunkt sind sie immer traditionell, alt.“ Was bedeutet das? Vielleicht auch nicht mehr als die Erkenntnis: Selbst Revolutionen und neue Systeme, auch Visionen und Utopien entstehen immer auf Grundlage dessen, was uns bereits zu eigen ist. Egal, was wir tun, am Ende sind wir doch nur Menschen – und Kunst ist immer genauso persönlich wie politisch.

In ihrem etwa 12-minütigen Werk „Märchenpoem“ verleiht Gubaidulina der Geschichte einen zu Herzen gehenden Klang. Angelehnt an die Chronologie der Erzählung, teilt die Komponistin ihre Musik grob in zwei Teile: Zu Beginn schneiden sich die Töne lautmalerisch als krächzende, harte Klänge ins Ohr, zeichnen die grobe physische Gewalt nach, der das Kreidestück an der Schultafel ausgeliefert ist. In ihrer betonten Atonalität erfassen sie aber auch die Resignation und Perspektiv- und Sinnlosigkeit seines Lebens. Der gleichförmige Dienst spiegelt sich in einem resignierten, starren Marsch wider, der aus den anfänglichen Klängen heraus erwächst.

Erst nach und nach dringen harmonische, impressionistisch anmutende Klänge an die Oberfläche, Klavier und Harfe übernehmen die Einleitung in den zweiten Teil der Komposition: Erst vorsichtig, dann aber mit wachsender Sicherheit bricht sich eine immer größer werdende Freude Bahn – bevor die Musik sich, wie das Kreidestück auch, in ihre Einzelteile, in Staub und Stille auflöst. Die Stille ist dabei nicht das Ende – sondern der Anfang: „Es muss still sein, wenn man die Welt atmen hören will“, sagt Sofia Gubaidulina. „Stille ist für mich die Voraussetzung, um Musik schreiben zu können.“

Auch in seinem Cellokonzert spielt das D-S-C-H-Motiv eine zentrale Rolle: In abgewandelter Form eröffnet es den ersten Satz und taucht auch später immer wieder leicht verändert als ferne Erinnerung im Laufe des Konzerts auf.

Zu den agilen, dynamischen Ecksätzen stellt Schostakowitsch einen geisterhaft schönen 2. Satz und eine zu einem ganzen dritten Satz ausgedehnte Solokadenz. Dabei ist dieses Cellokonzert nicht im Ansatz vergleichbar mit fröhlichen Werken wie der Operette „Moskau, Tscherjomuschki“ oder der Filmmusik zu „Die Stechfliege“, die Schostakowitsch nach Stalins Tod schrieb, sichtlich erleichtert und befreit. Im Cellokonzert scheint vor allem unterdrückte Angst und angestaute Trauer aus der Musik herauszubrechen – über allem liegt ein trüber Schleier, schwebt eine beklemmende Klage. Selbst angedeutete Freude entpuppt sich immer wieder als böse Karikatur. Ist Schostakowitsch ein „traumatisierter Humorist, der schon lange das Lachen verlernt hat“, wie harmonia mundi in einem Booklettext suggeriert – oder formuliert er nicht vielmehr äußerst akkurat ebenjene ästhetische und inhaltliche Diskrepanz, die er jahrzehntelang unter Stalins Herrschaft gespürt hat?

Wie auch in seinem 1. Klavierkonzert stellt er dem Soloinstrument dazu verschiedene Partner zur Seite, die die Gedanken, die Angst, die irre werdende Hoffnung spiegeln: Das Horn betritt etwa im zweiten Satz prominent die Bühne als eine Art zweites Soloinstrument, die Pauke unterbricht und verlenkt dagegen den Lauf der melodischen Erzählung immer wieder durch schroffe Einwürfe. Die melancholische, nachdenkliche Elegie zu Beginn verwandelt sich so, nach dem Paukenschlag, in einen schaurigen Traum, kinderliedhaft irritiert durch das Plingplong der Celesta.

Bevor die Musik im vierten Satz dann wieder energiegeladen nach vorne drängt, findet sich das Solo-Cello aber erst einmal in einem von der Außenwelt vollkommen abgeschirmten Zwischenraum wieder: ganz allein folgt es den eigenen Gedanken, zunächst ruhig und konzentriert, aber dann immer ungestümer und unkontrollierter. Wie der Cellist Johannes Moser im Gespräch mit dem BR beschreibt, verliert diese Stimme zum Ende regelrecht den Verstand.

Ein Werk wie dieses beleuchtet das fragile Zusammenspiel zwischen Individuum und Gesellschaft, zwischen dem*der einzelnen Künstler*in und der Politik: Ohne die äußeren Umstände zu kennen, würde man diese Musik nicht verstehen. Ohne die äußeren Umstände wäre diese Kunst schließlich nie in dieser Form entstanden. Sie sind wie die Farbpalette, mit denen ein Maler die Bilder in seinem Kopf auch für andere sichtbar werden lässt.

Seit der Saison 2023/24 ist Joana Mallwitz Chefdirigentin und Künstlerische Leiterin des Konzerthausorchesters Berlin.

Spätestens seit ihrem umjubelten Debüt bei den Salzburger Festspielen 2020 mit Mozarts „Cosi fan tutte“ zählt Joana Mallwitz zu den herausragenden Dirigent*innenpersönlichkeiten ihrer Generation. Ab 2018 als Generalmusikdirektorin am Staatstheater Nürnberg tätig, wurde sie 2019 als „Dirigentin des Jahres“ ausgezeichnet. In den vergangenen Jahren war sie an der Nationale Opera Amsterdam, dem Opera House Covent Garden, an der Bayerischen Staatsoper, der Oper Frankfurt, der Royal Danish Opera, der Norwegischen Nationaloper Oslo und der Oper Zürich zu Gast.

Konzertengagements führten sie zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, HR- und SWR-Sinfonieorchester, den Dresdner Philharmonikern, dem Philharmonia Orchestra London, den Münchner Philharmonikern, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, dem Orchestre National de France, dem Orchestre de Paris und den Göteborger Symphonikern und als Porträtkünstlerin zum Wiener Musikverein. 

Nach ihrem langjährigen Engagement als Kapellmeisterin am Theater Heidelberg trat Mallwitz zur Spielzeit 2014/2015 als jüngste Generalmusikdirektorin Europas ihr erstes Leitungsamt am Theater Erfurt an. Dort rief sie die Orchester-Akademie des Philharmonischen Orchesters ins Leben und begründete das Composer in Residence-Programm „Erfurts Neue Noten“. Ihre ebenfalls in dieser Zeit konzipierten „Expeditionskonzerte“ wurden auch am Staatstheater Nürnberg und als Online-Format ein durchschlagender Erfolg.

In Hildesheim geboren, studierte Joana Mallwitz an der Hochschule für Musik und Theater Hannover Dirigieren bei Martin Brauß und Eiji Oue sowie Klavier bei Karl-Heinz Kämmerling und Bernd Goetzke.

Joana Mallwitz ist Trägerin des Bayerischen Verfassungsordens und des Bundesverdienstkreuzes. Sie lebt mit Mann und Sohn in Berlin.

In ihrer Debütsaison 2023/24 nahm Joana Mallwitz mit dem Konzerthausorchester Berlin Werke von Kurt Weill auf. Sie erschienen vor kurzem bei Deutsche Grammophon, wo die Chefdirigentin Exklusivkünstlerin ist. Im Frühsommer 2024 kam „Momentum“, ein Dokumentarfilm von Günter Atteln über ihren Weg ans Konzerthaus Berlin, in die Kinos.

Cellist Sheku Kanneh-Masons Karriere und Auftritte führen ihn in alle Welt. Ob er für Kinder in einer Schulaula, in einem Underground-Club oder in den führenden Konzertsälen der Welt als Solist mit Orchestern wie den Los Angeles Philharmonic, dem Orchestre de Paris oder dem Royal Philharmonic Orchestra auftritt – Sheku sieht seine Aufgabe darin, Musik allen zugänglich zu machen. Neben seiner Karriere als Cello-Solist tourt er regelmäßig mit seiner Schwester Isata am Klavier durch Europa und Asien. Seit seinem Debüt 2017 ist er jeden Sommer bei den BBC Proms aufgetreten. Shekus Album „Elgar“ kam 2020 auf Platz 8 der offiziellen britischen Albumcharts. Damit war er der erste Cellist in den britischen Top 10.

Sheku Kanneh-Mason ist Absolvent der London Royal Academy of Music, wo er bei Hannah Roberts studierte. 2022 wurde er dort zum ersten Menuhin-Gastprofessor für Performance Mentoring ernannt. Er ist Botschafter für die Juvenile Diabetes Research Foundation, Future Talent und Music Masters. 2020 wurde auf der New Year's Honours List zum Mitglied des Most Excellent Order of the British Empire (MBE) ernannt. Er spielt ein Matteo-Goffriller-Cello aus dem Jahr 1700, das ihm als Dauerleihgabe zur Verfügung steht.

Nach etwas ruhigeren Tagen nach Weihnachten hat die Saison wieder voll an Fahrt aufgenommen. Unser langsamer Aufzug natürlich nicht. An dessen Tempo könnten auch neun unserer Cellisten und Cellistinnen nicht drehen, die am 30. Januar mit unserem Artist in Residence, Cellist Sheku Kanneh-Mason, oben im Kleinen Saal zum Konzert verabredet sind. Also bloß frühzeitig unten starten! Wir sind mit den Cellistinnen Viola Bayer und Nerina Mancini schon mal vorgefahren. 

Was ist schöner als ein Cello? 10 Celli im Ensemble, wenn unsere Cellogruppe gemeinsam mit Artist in Residence Sheku Kanneh-Mason ein Konzert gibt! Außerdem ist der junge Cellist wieder als Solist beim KHO zu hören – mit Schostakowitschs Cellokonzert Nr. 1.

Hier schon einmal 11 erstaunliche Fakten rund um dieses wunderbare Instrument, in dessen Kantilene wohl jeder schon einmal geschwelgt hat.