Der Cellist. Gemälde von Amedeo Modigliani, 1909

Bei dem Konzert für Violoncello und Blasorchester aus dem Jahre 1980 handelt es sich um die wohl bekannteste Komposition von Friedrich Gulda – ein Werk, das in gleich mehrfacher Weise Musik und Musikgeschichte lustvoll bricht und kommentiert: Einer Ouvertüre, in der sich moderner Rockrhythmus und mozarteske Harmoniemusik gegenseitig kontrapunktieren, folgt eine „Idylle“, die mit ihren Hörnerklängen an Carl Maria von Webers romantischen „Freischütz“ erinnert, einer sprechenden „Cadenza“ im Solopart (zwischen Anklängen an den spanischen Fandango und Beethovens Neunte) ein antikisierendes, neoklassizistisches Menuett, bis im Finale ein ironischer „Festzeltmarsch“ angestimmt wird. Heinrich Schiff (1951–2012), der unter der Leitung des Komponisten den Solopart in der Uraufführung spielte, verfasste zu dem Werk einen sehr ernst gehaltenen, technisch erklärenden Kommentar, der für das damalige Auditorium erst gar nicht den Gedanken einer Parodie oder Persiflage aufkommen lassen sollte. Dabei war Schiff Opfer des Komponisten geworden, der trotz mehrfachen Insistierens Beethovens Cellosonaten partout nicht mit ihm spielen wollte. Gulda erinnert sich: „Trotzdem hat er versucht mich umzustimmen, indem er mich bat, ‚na, dann schreib’ wenigstens was für mich!‘ Und da hat er angenommen oder gehofft, dass ich irgend etwas zusammenschreibe, was einmal aufgeführt wird, das niemand hören will. […] Bei mir wollte er das so machen: Da spiel’ ich halt diesen Scheißdreck, diese Gulda-Komposition, und dafür spielt dann der Gulda mit mir Beethoven-Sonaten. Das war seine Kalkulation, um mich günstig zu stimmen. Und die Tatsache, dass ich ihm ein riesiges Erfolgsstück geschrieben habe, hat groteskerweise seine Pläne durchkreuzt.“

Als Geburtsstunde der Operette gilt gemeinhin die Eröffnung von Jacques Offenbachs Theater Bouffes-Parisiens am 5. Juli 1855. Übersehen wird dabei gerne, dass der Begriff „Operette“ schon während des 18. Jahrhunderts im Umlauf war – wenn auch zumeist für deutsche Übersetzungen und Bearbeitungen der italienischen Opera buffa, des französischen Vaudeville oder der Opéra comique. Offenbachs Erfolgsprojekt in Paris beruhte auf einer gelungenen Melange aus volkstümlicher Melodik, leichtem Tonfall und unkomplizierten Formen und Ballett-Einlagen. Sogenannte Charaktertänze gehörten auch später noch dazu – und je nach Herkunft des Komponisten auf ganz spezielle Weise, so der Cancan (Offenbach), der Wiener Walzer (Strauß) oder der Csárdás (Kálmán). Der weit über Wien ausstrahlenden Popularität von Johann Strauß als „Walzerkönig“ ist es jedenfalls zu verdanken, dass bereits seine erste Operette „Indigo und die vierzig Räuber“ (1871) mit Spannung erwartet wurde. Damit zeichnete sich zugleich ein Wandel in der Bewertung des vermeintlich so leichten Genres ab: So wie Strauß den Wiener Walzer kompositorisch adelte, so erlangte die als austauschbare Tagesproduktion geltende Operette (allein zwischen 1858 und 1871 erlebte die Donaumetropole nicht weniger als 200 Premieren) durch ihn plötzlich „Charakter“ und Geltung. Zum ökonomischen Erfolgsdruck einer Bühnenproduktion kam nun auch die Verpflichtung zur textlichen und musikalischen Qualität, wie sie 1874 in der „Fledermaus“ geradezu beispielhaft zelebriert wurde.

Die Römer der Verfallszeit. Gemälde von Thomas Couture, 1847

Seit der Saison 2023/24 ist Joana Mallwitz Chefdirigentin und Künstlerische Leiterin des Konzerthausorchesters Berlin.

Spätestens seit ihrem umjubelten Debüt bei den Salzburger Festspielen 2020 mit Mozarts „Cosi fan tutte“ zählt Joana Mallwitz zu den herausragenden Dirigent*innenpersönlichkeiten ihrer Generation. Ab 2018 als Generalmusikdirektorin am Staatstheater Nürnberg tätig, wurde sie 2019 als „Dirigentin des Jahres“ ausgezeichnet. In den vergangenen Jahren war sie an der Nationale Opera Amsterdam, dem Opera House Covent Garden, an der Bayerischen Staatsoper, der Oper Frankfurt, der Royal Danish Opera, der Norwegischen Nationaloper Oslo und der Oper Zürich zu Gast.

Konzertengagements führten sie zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, HR- und SWR-Sinfonieorchester, den Dresdner Philharmonikern, dem Philharmonia Orchestra London, den Münchner Philharmonikern, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, dem Orchestre National de France, dem Orchestre de Paris und den Göteborger Symphonikern und als Porträtkünstlerin zum Wiener Musikverein. 

Nach ihrem langjährigen Engagement als Kapellmeisterin am Theater Heidelberg trat Mallwitz zur Spielzeit 2014/2015 als jüngste Generalmusikdirektorin Europas ihr erstes Leitungsamt am Theater Erfurt an. Dort rief sie die Orchester-Akademie des Philharmonischen Orchesters ins Leben und begründete das Composer in Residence-Programm „Erfurts Neue Noten“. Ihre ebenfalls in dieser Zeit konzipierten „Expeditionskonzerte“ wurden auch am Staatstheater Nürnberg und als Online-Format ein durchschlagender Erfolg.

In Hildesheim geboren, studierte Joana Mallwitz an der Hochschule für Musik und Theater Hannover Dirigieren bei Martin Brauß und Eiji Oue sowie Klavier bei Karl-Heinz Kämmerling und Bernd Goetzke.

Joana Mallwitz ist Trägerin des Bayerischen Verfassungsordens und des Bundesverdienstkreuzes. Sie lebt mit Mann und Sohn in Berlin.

In ihrer Debütsaison 2023/24 nahm Joana Mallwitz mit dem Konzerthausorchester Berlin Werke von Kurt Weill auf. Sie erschienen vor kurzem bei Deutsche Grammophon, wo die Chefdirigentin Exklusivkünstlerin ist. Im Frühsommer 2024 kam „Momentum“, ein Dokumentarfilm von Günter Atteln über ihren Weg ans Konzerthaus Berlin, in die Kinos.

Der deutsch-französische Cellist führt als Solist, Dirigent und künstlerischer Leiter ein Repertoire von der Alten Musik bis hin zur zeitgenössischen Musik auf. Zu den Höhepunkten der Saison 2024/25 gehören Debüts beim Royal Concertgebouw Orchestra (Pintscher), der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen (Adès) und dem Swedish Radio Symphony Orchestra (Emelyanychev). Altstaedt arbeitet mehrmals in der Saison als Artist in Focus mit dem Münchener Kammerorchester zusammen.

Seit seinem Debüt mit den Wiener Philharmonikern und Gustavo Dudamel beim Lucerne Festival gab er Gastspiele bei namhaften Orchestern in Europa, Skandinavien, Japan, den USA und in Australien.

Altstaedt spielt regelmäßig auf historischen Instrumenten mit Ensembles wie Il Giardino Armonico mit Giovanni Antonini, B'Rock mit René Jacobs, Orchestre des Champs-Elysées (Phillippe Herreweghe) und Arcangelo (Jonathan Cohen). Gemeinsame Auftritte mit Komponisten wie Thomas Adès, Jörg Widmann, Thomas Larcher, Fazıl Say und Sofia Gubaidulina festigen seinen Ruf als herausragender Interpret zeitgenössischer Musik. Wolfgang Rihm, Sebastian Fagerlund, Erkki-Sven Tüür, Marton Illés und Helena Winkelman haben in letzter Zeit Werke für ihn geschrieben. Neue Konzerte von Liza Lim und Malika Kishino sowie ein neues Werk für Cello und Chor von Raquel García-Tomás werden in dieser Saison uraufgeführt. 

2012 trat Altstaedt die Nachfolge von Gidon Kremer als künstlerischer Leiter des Kammermusikfestivals Lockenhaus an, von 2014 bis 2021 folgte er Ádám Fischer in dieser Position bei der Haydn-Philharmonie im Schloss Ésterházy und unternahm mit dem Orchester Tourneen nach Japan und China. Als Kammermusiker arbeitet er unter anderem mit Janine Jansen, Vilde Frang, Pekka Kuusisto, Lawrence Power, Antoine Tamestit, Alexander Lonquich, Mao Fujita, Maxim Emelyanychev, Fazıl Say, Jean Rondeau, Thomas Dunford, dem Quatuor Ébène und dem Belcea Quartett zusammen, und er tritt bei den großen Festivals auf.

Seine jüngste Aufnahme vom Lockenhaus Festival wurde mit dem BBC Music Magazine 2020 Chamber Award und dem Gramophone Classical Music Award 2020 ausgezeichnet. Altstaedt erhielt 2010 den Credit Suisse Award, 2015 den Beethovenring Bonn und 2018 den Musikpreis der Stadt Duisburg und war 2010 bis 2012 BBC New Generation Artist.