Als Hitler-Deutschland Polen am 1. September 1939 überfiel, ergriff Mieczysław Weinberg sofort die Flucht. Der junge Musikstudent, der gerade noch sein Pianisten-Examen am Warschauer Konservatorium hatte absolvieren können, ging zu Fuß in Richtung Osten, da die deutsche Wehrmacht das Land von Westen und Süden aus überrannte – Geld für eine Schiffspassage hatte der damals 19-Jährige nicht. Seine Familie, die Eltern und seine zwei Jahre jüngere Schwester, wurde kurze Zeit später in Warschau ermordet. Weinberg setzte sich nach Minsk ab – weil er Jude war, verpasste man ihm in seinen sowjetischen Papieren den Vornamen „Moisej“ –, wo er bei Wassilij Solotarjow, einem Schüler Balakirews und Rimsky-Korsakows, Komposition studierte. 1941, als Hitlers Truppen auf breiter Front zwischen Ostsee und Karpaten im „Unternehmen Barbarossa“ die Sowjetunion überfielen, musste er erneut vor der deutschen Wehrmacht fliehen – diesmal ins ferne Usbekistan, wo er in Taschkent als Korrepetitor an der Oper arbeitete. Dmitri Schostakowitsch, beeindruckt von Weinbergs Erster Sinfonie, sorgte persönlich dafür, dass dieser eine Aufenthaltsgenehmigung für Moskau erhielt.

Zehn Jahre nach der Übersiedlung in die sowjetische Hauptstadt wurde Weinberg auf dem Höhepunkt der von Stalin und der Geheimpolizei frei erfundenen und antisemitisch motivierten „Verschwörung der Kremlärzte“ im Jahr 1953 verhaftet: Seine Frau war eine enge Verwandte von Miron Wowsi, dem Leiter der Botkin-Klinik im nördlichen Zentrum von Moskau. Er war der Hauptangeklagte bei dem Schauprozess gegen die „Mörder in weißen Kitteln“, die angeblich als „von amerikanischen Geheimdiensten gekaufte Terroristengruppe“ („Prawda“) die oberste sowjetische Politik- und Militärführung unterminieren wollten. Weinberg wurde in das berüchtigte Lubjanka-Gefängnis in den Kellern des KGB Hauptquartiers gebracht, woraufhin sich Schostakowitsch mit einem Brief an den Geheimdienst-Chef Lawrenti Beria für ihn einsetzte. Dass Weinberg überlebte, hatte er allerdings nur Stalins plötzlichem Tod zu verdanken.

Im dramatischen Tonfall von „Pique Dame“, deren Instrumentierung Tschaikowsky gerade erst vollendet hatte, beginnt das einleitende Allegro con spirito, in dem nur das kantable Seitenthema zeitweilig für Entspannung sorgt. Melancholisch abschattiert ist das folgende Adagio cantabile e con moto, denn bereits die massiven Akkordfortschreitungen in der Einleitung machen deutlich, dass es hier um mehr geht als um ein bloßes Ständchen – trotz der folgenden gitarrenartigen Pizzicato-Begleitung, über der ein etwas zu ernstes Thema erklingt. Am Ende scheint die Musik vergangenes Glück zu beschwören, bis die Erinnerung nach einem gespenstisch-huschenden Zwischenspiel und der Wiederkehr der vermeintlichen Serenaden-Musik im vierfachen Piano verblasst. Es folgt ein Intermezzo samt Trio (Allegretto moderato), in dem die anfangs stilisierte Leierkasten-Begleitung der Bratschen-Melodie für ein typisch russisches Klangkolorit sorgt. Auch das Finale klingt wie von russischer Volksmusik inspiriert, wobei den Satz zwei Themen dominieren, ein volksliedhaftes, das später fugiert wird, und ein lyrisches, bevor die Musik mit einer furiosen Stretta ihrem Ende entgegensteuert.

Bereits der Titel der Grande Polonaise brillante précédée d’un Andante spianato, wie Chopin sein Opus 22 nannte, verspricht Großes. Man wird nicht enttäuscht, denn das Polonaisen-Hauptstück gehört zum Virtuosesten, was der von den Zeitgenossen als „Paganini des Klaviers“ gefeierte Jahrhundertpianist je zu Papier gebracht hat. Damit diese mit allen technischen Schwierigkeiten gespickte Demonstration klavieristischer Kunstfertigkeit im „Style brillante“ nicht allzu aufdringlich daherkommt, stellte Chopin dem zunächst separat entstandenen Stück die zarte Träumerei eines einleitenden Andantes an die Seite, dessen Zurückhaltung er mit dem Attribut „spianato” (geebnet) untermauerte. Was meint: ein Andante, das schlicht, ungekünstelt und unpathetisch sein möchte, als lyrischer Ruhepol vor dem folgenden Sturm. Um dem Geschmack seiner Zeit zu gefallen, ergänzte Chopin das Stück durch eine Orchesterbegleitung, die allerdings ziemlich übersichtlich ausfiel: Von fünf kurzen Zwischentakten abgesehen, hat sie nur noch harmonisch stützende Funktion und ist praktisch kaum zu bemerken (im einleitenden Andante spianato fehlt sie ganz). Weil sich die kurzen Sequenzen, die dem Orchester allein anvertraut sind, leicht aufs Klavier übertragen lassen, ist das Werk längst in das Solorepertoire eingegangen und mittlerweile viel häufiger in Rezitals als in Orchesterkonzerten zu hören.

studierte Violine bei David Takeno an der Guildhall School of Music in London sowie am Banff Center for the Arts in Kanada und besuchte Meisterkurse unter anderem bei Isaac Stern. Einladungen führten sie zum Chamber Orchestra of Europe, der City of London Sinfonia, dem Guildhall String Ensemble, der Camerata Nordica, dem Mahler Chamber Orchestra und der Camerata Salzburg. Mit der Amsterdam Sinfonietta, deren künstlerische Leiterin sie seit 2003 ist, etablierte sie eine Konzertreihe in den Niederlanden, unternahm weltweit Tourneen und spielte zahlreiche CDs ein. Als Kammermusikerin zählt sie unter anderem Bruno Giuranna, Xenia Yankovich, Harriët Krijgh, Alexander Gavrylyuk, Victor-Julien Laferrière, Iris Juda und Janine Jansen zu ihren Partnerinnen und Partnern und ist Gast auf renommierten Festivals in Europa und den USA. Ihr großes Interesse an gegenwärtigen kulturellen Entwicklungen und am künstlerischen Dialog führte auch zu Projekten mit zeitgenössischen Komponisten, mit Philosophen, Fotografen, Tänzern, Schauspielern und Lichtdesignern. An Institutionen wie Villa Musica Chamber Music oder der Guildhall School gibt sie ihr Wissen an junge Talente weiter. Candida Thompson spielt eine Guarneri del Gesù, die ihr freundlicherweise von einem privaten Sammler zur Verfügung gestellt wurde.

ist Erster Preisträger des 18. Internationalen Chopin-Klavierwettbewerbs 2021 in

Warschau. Als Focus Artist des Rheingau Musik Festivals 2024 trat er in Solo-Rezitalen, mit Kammermusik und bei Konzerten mit dem hr-Sinfonieorchester, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und dem Tonhalle-Orchester Zürich auf.

Zu Höhepunkten dieser Saison zählen auch Tourneen unter anderem mit dem Orchestre Philharmonique du Luxembourg, dem London Symphony Orchestra, den Wiener Symphonikern, dem Orchestre National de France, der Academy of St Martin in the Fields und der Amsterdam Sinfonietta, das Debüt mit dem Boston Symphony Orchestra beim Tanglewood Music Festival sowie Konzerte mit dem Cincinnati Symphony, dem Houston Symphony, dem Minnesota Orchestra, dem Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia und dem Royal Philharmonic Orchestra. Bereits zuvor war er Solist bei Spitzenorchestern wie dem Los Angeles Philharmonic, dem San Francisco Symphony, dem Philadelphia Orchestra, dem Orchestre symphonique de Montréal, dem Philharmonia Orchestra London und dem NHK Symphony Orchestra. Mit Soloabenden kehrt er in die Carnegie Hall, das Théâtre des Champs-Elysées und das Concertgebouw Amsterdam zurück, debütiert im Wiener Musikverein und im Prinzregententheater München und tritt bei zahlreichen Festivals auf. Als Exklusiv-Künstler der Deutschen Grammophon wurde er mit dem Opus Klassik Preis „Nachwuchskünstler des Jahres” 2024 für sein Debüt-Studioalbum „Waves” ausgezeichnet.

Bruce Liu studierte Klavier bei Richard Raymond und Dang Thai Son. Geboren in Paris als Sohn chinesischer Eltern und aufgewachsen in Montréal, schöpft er für seine Kunst ebenso aus europäischen und nordamerikanischen Quellen wie aus der großen Tradition der chinesischen Kultur.