Im Zentrum dieses Programms steht mit der Sechsten Sinfonie, „Vessels of Light“, von Lera Auerbach ein Werk, das von der Gedenkstätte Yad Vashem und der Amerikanischen Gesellschaft für Yad Vashem in Auftrag gegeben wurde. 1953 hatte die Knesset das Yad Vashem-Gesetz verabschiedet, im Jahr darauf, am 29. Juli, wurde der Grundstein für den Museumsbau gelegt, der neben anderen bis dahin fertiggestellten Teilen der Gedenkstätte seit 1957 für die Öffentlichkeit zugänglich ist. Seither wird die Yad Vashem kontinuierlich erweitert – ein Ort der umfassenden Erinnerung und Dokumentation des Holocausts.

Es verwundert nicht, dass für ein Werk, das im Auftrag von Yad Vashem komponiert wurde, Erinnerung das zentrale Motiv ist. Dany Dayan, Vorsitzender von Yad Vashem, meinte: „Selbst in den dunkelsten Stunden des Holocausts drückten sich die Juden durch Kunst und Musik aus. Diese Werke spiegelten ihre Erfahrungen wider und dienten ihren Seelen als Mittel, um der harten Realität ihrer Lebensumstände zu entkommen. Die Verwendung der jiddischen Sprache und Poesie in der Symphonie und dem Libretto von ‚Vessels of Light‘ stellt eine direkte Verbindung zwischen diesem Werk und der europäischen jüdischen Kultur vor und während des Holocausts her und bietet dem Publikum die Möglichkeit, sich mit der Erinnerung an den Holocaust zu verbinden.“

Lera Auerbachs Sinfonie wird umgeben von zwei sehr unterschiedlichen Kompositionen: Charles Ives‘ „The Unanswered Question“ formuliert die Frage nach dem Sinn menschlicher Existenz, die unbeantwortet verhallt. Johann Sebastian Bachs Fantasie und Fuge BWV 542, komponiert für die Orgel, erklingt in einer Bearbeitung von Mordechai Rechtman, der als Kind mit seiner Familie nach der Machtergreifung der Nazis 1934 aus Deutschland in das britische Mandatsgebiet Palästina fliehen musste und hier nach der Gründung des Staates Israel das Musikleben des jüdischen Staates in vielfältiger Weise mitgestaltete.

Die Bach-Forschung hat oftmals einiges mit Kriminalistik zu tun – mit dem Unterschied, dass es nicht um die Aufklärung von Verbrechen geht, sondern darum, den Kontext so manches Meisterwerkes zu erhellen, also herauszubekommen, wann und für wen es geschrieben wurde, welche Intentionen den Komponisten vielleicht beseelt hatten, wann es erstmals erklang und welche Wirkung es gehabt hat. Die Fantasie und Fuge g-Moll BWV 542 ist ein solcher „Fall“, bei dem die „Beweislage“ unerhört schwierig ist und man sich auf Indizien, Vermutungen und Spekulationen einlassen muss, um wenigstens ahnen zu können, was es mit diesem Werk auf sich haben könnte, das heute zu den großen Meisterwerken unter Bachs Orgelwerken zählt.

Bachs Handschrift ist verschollen, Äußerungen von ihm zu diesem Werk sind nicht überliefert. Wann es erstmals erklang, wissen wir nicht. Das Werk? Es ist noch nicht einmal sicher, dass es sich tatsächlich um ein einziges Werk und nicht um zwei eigentlich unabhängige Stücke handelt, denn Fantasie und Fuge wurden zunächst überwiegend einzeln überliefert, wobei die frühesten Abschriften in die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts, also erst nach Bachs Tod, zu datieren sind. Auch über die Entstehungszeit finden sich unterschiedliche Angaben. Verschiedene Bach-Biographen bringen BWV 542 in Zusammenhang mit seiner Reise nach Hamburg (1720), wo er sich um eine Organistenstelle an St. Jacobi beworben hatte. Philipp Spitta vermutet, Bach habe die Fuge aus BWV 542 improvisiert, als er sich in Hamburg vorstellte. Dass das Thema der Fuge an das niederländische Volkslied „Ik ben gegroet van...“ angelehnt ist, gab Christoph Wolff Anlass zur These, dass es sich um eine Huldigung an Johann Adam Reincken handeln könnte, den damals schon hochbetagten, aus den Niederlanden stammenden Organisten an St. Katharinen in Hamburg, wo Bach während seines Aufenthaltes konzertierte.

Die der Fuge vorangehende Fantasie wirkt wie eine erregte Klangrede mit den leidenschaftlich aufgewühlten rezitativischen Abschnitten und den antwortenden lyrischen Partien. Intensiviert wird die Expressivität durch die ungeheuer kühne, chromatische entfernteste Tonartenbereiche berührende Harmonik. An der Fuge aus BWV 542 rühmt der Organist Joachim Winkler das „Satzgefüge, in dem sich alle vier Stimmen mit absolut gleich hervortretender Leuchtkraft bewegen. Dies gilt insbesondere für die brillanten und weit ausgreifenden Formulierungen des Pedalparts, der in der Geschichte des Orgelspiels bis dahin seinesgleichen sucht. Resultat solch kompositorischen Verfahrens und – damit verbunden – solcher spieltechnischer Ansprüche ist eine überaus plastische und kraftvolle Schönheit der Tonsprache und eine spannungsvolle, unablässig vorwärtsdrängende Vitalität, die dieser Fuge höchsten Rang in ihrem Genre und nie verblassende Anziehungskraft auf Spieler und Hörer gesichert hat.“
Dieser Anziehungskraft ist es sicher zu danken, dass es eine geradezu unübersehbare Fülle an Bearbeitungen und Arrangements dieses Werkes für alle möglichen (und unmöglichen) Besetzungen gibt. Prominente Bearbeiter waren u. a. Franz Liszt (für Klavier) sowie die Dirigenten Leopold Stokowski und Dimitri Mitropoulos, die BWV 542 für ihr „Instrument“, das Orchester, arrangierten.
 

Mordechai Rechtman, dessen Bearbeitung in diesem Konzert erklingt, war ein israelischer Fagottist, Dirigent und Hochschullehrer, der sich als geschickter Arrangeur einen Namen gemacht hat. Insgesamt mehr als 200 Werke von Bach bis Fauré hat er für verschiedene Bläserformationen arrangiert. Rechtman, geboren 1926, stammte aus Barmen (heute ein Teil von Wuppertal). Nachdem die Familie nach Palästina emigriert war, begann er Fagott zu lernen und brachte es innerhalb von drei Jahren auf diesem Instrument so weit, dass er als 15-Jähriger Solo-Fagottist im Palestine Opera Orchestra wurde. 1946 übernahm er diese Funktion im Philharmonic Orchestra, aus dem später das Israel Philharmonic Orchestra wurde, dem er bis 1991 angehörte.

Rechtman gründete und leitete verschiedene Bläserformationen, für die er viele seiner Transkriptionen schuf. Seine Version von Bachs Fantasie und Fuge BWV 542 lässt nachvollziehen, was eine gute Bearbeitung zu leisten vermag. Einerseits ist der Klang des Bläserensembles dem der Orgel durchaus verwandt, andererseits vermag das Instrumentalensemble einiges, was auf der Orgel nicht oder nur schwer zu realisieren ist: Das betrifft vor allem die Agogik und Phrasierung, aber auch die Dynamik und die Möglichkeiten farblicher Schattierungen. Dadurch wird zumal die komplexe Polyphonie der Fuge, das Geflecht ihrer Stimmen, noch plastischer darstellbar, als dass auf der Orgel möglich wäre.
 

In diesem Jahr wäre Charles Ives, der große amerikanische Avantgardist, – wie Arnold Schönberg – 150 Jahre alt geworden. „The Unanswered Question“ schrieb er in einer ersten Version 1908. Erstmals aufgeführt wurde Ives‘ Komposition allerdings erst knapp vier Jahrzehnte später. Das hatte nicht nur etwas mit der Ignoranz seiner Zeitgenossen zu tun, sondern vor allem damit, dass Ives die Mechanismen der Kulturindustrie aushebelte und den Kapitalismus mit seinen eigenen Waffen schlug. Seinen Lebensunterhalt sicherte er sich als erfolgreicher Versicherungskaufmann. In seiner Freizeit aber brachte er seine klanglichen Visionen zu Papier – ohne Rücksicht auf die Hörerwartungen eines Publikums und auf aufführungspraktische Probleme. Die Gegebenheiten des Musiklebens interessierten ihn nur wenig, und er bemühte sich auch nicht sonderlich um Aufführungen seiner Werke. So dauerte es bis in die letzten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts, bis allmählich wahrgenommen wurde, dass Ives ein Komponist außerordentlichen Ranges gewesen war.

Die Grundlagen für Ives‘ musikalischen Nonkonformismus wurden in seiner Jugend gelegt, insbesondere durch seinen Vater, einen professionellen Allroundmusiker mit unstillbarer Neugier und unbändiger Experimentierlust. Beeinflusst wurde sein Denken außerdem durch die neuenglischen Transzendentalisten, eine Gruppe von Philosophen und Dichtern, die sich für eine freiheitliche, selbstverantwortliche und naturzugewandte Lebensführung einsetzten. Deren wichtigste Vertreter hat Ives in einer gigantischen Klaviersonate, der „Concord“-Sonate, portraitiert. Radikaler Demokrat war Ives nicht nur im Leben, sondern auch in seiner Musik: Keine Trennlinie scheidet bei ihm „hohe“ und „niedere“ Musik; ihn interessierte das gleichzeitige Mit- und Nebeneinander des Disparaten, Heterogenen. Jenseits aller Konventionen und Regeln öffnete Ives seine Musik den Alltagsgeräuschen, Naturlauten und der Musik jeglicher Provenienz, die er zu komplexen musikalischen Collagen verwob. Oft bezogen sich die so entworfenen vielschichtigen klingenden Panoramen auf bestimmte historische und aktuelle Ereignisse, auf Orte, Landschaften, Personen oder philosophische Vorstellungen, die zu Quellen der Inspiration wurden.

Den Titel „The Unanswered Question“ hat Ives dem Gedicht „The Sphinx“ von Ralph Waldo Emerson entnommen, einem der erwähnten Transzendentalisten:

Thou art the unanswered question;
Couldst see thy proper eye,
Alway it asketh, asketh;
And each answer is a lie.

Die klangliche Umsetzung dieses poetischen Bildes, das die vergebliche Suche nach einer Antwort auf die Frage nach dem Sinn der Existenz umschreibt, ist ebenso einfach wie einleuchtend und gleichzeitig typisch für Ives‘ Vorliebe für die Gleichzeitigkeit unabhängiger Verläufe. Auf drei klanglich, harmonisch, teilweise zeitlich und räumlich selbständigen Ebenen spielt sich das musikalische Geschehen ab: Die Streicher intonieren weiträumige Akkorde, die wenige Harmonien umkreisen. Die Trompete stellt über diesem Klangteppich sechs Mal die „Frage“ in Gestalt eines nur minimal veränderten Motivs. Jedes Mal löst sie eine immer mehr gesteigerte Aktivität des überaus dissonant gesetzten Flötenquartetts aus, das gleichsam vergeblich nach einer Antwort sucht, ehe die Frage ein letztes Mal ertönt und unbeantwortet verhallt.

Der vielleicht kühnste Aspekt des Werkes ist seine zeitliche Struktur. Zwar dauert es nur rund acht Minuten, aber Anfang und Ende sind offen: Die Klänge, die wir am Beginn hören, könnten so schon sehr lange gedauert haben, und ebenso werden wir am Ende aus einem scheinbar ins Unendliche zielenden Kontinuum ausgeblendet. Was hier versucht wird, ist die Aufhebung von Zeit im Klang. Das wirkt wie eine Vorahnung dessen, was etwa Morton Feldman und Bernd Alois Zimmermann viele Jahrzehnte später in manchen ihrer Werke realisiert haben.
 

Der Staatschor Kaunas wurde im Oktober 1969 gegründet. Unter der Leitung von Petras Bingelis entwickelte sich der Chor zielstrebig von Volksliedern und Kompositionen litauischer Komponisten bis zur ersten Aufführung von Mozarts Requiem im Jahr 1971. Später stellte er ein Repertoire großer klassischer Kompositionen zusammen. Der Staatschor Kaunas erhielt 1982 erstmals internationale Anerkennung, nachdem er die Frühlingssinfonie von Mikis Theodorakis in Berlin und Paris aufgeführt hatte. Nach der Wiedererlangung der Unabhängigkeit Litauens und dem Fall des Eisernen Vorhangs erweiterte sich die Konzerttätigkeit des Chores, insbesondere als die Zusammenarbeit mit dem Geiger und Dirigenten Yehudi Menuhin begann. Die Aufführungen von Händels „Messias“ mit Lord Yehudi Menuhin am Dirigentenpult tourten durch Frankreich, Italien, Spanien, Deutschland, Ägypten, Russland und andere Länder. Die Konzertfassung des Oratoriums wurde auch in Argentinien und Chile aufgeführt, und der Staatschor Kaunas zählte bald zu den besten Chören Europas.
Unter der Leitung des polnischen Komponisten Krzysztof Penderecki führte der Chor 2001 in St. Petersburg dessen „Sieben Pforten von Jerusalem“ auf; die Zusammenarbeit des Chores mit dem Cellisten und Dirigenten Mstislav Rostropowitsch begann 1998 in Köln mit der Aufführung von Sofia Gubaidulinas „Sonnengesang“ für Schlagzeug, Chor und Cello. Künstlerischer Leiter des Chores ist Robertas Šervenikas.

Die japanisch-amerikanische Cellistin hat weltweit für ihre musikalische Vielfalt, ihre Kunstfertigkeit und ihre charismatische Bühnenpräsenz Anerkennung gefunden. Als Solistin und Kammermusikerin stand sie auf vielen Bühnen der Welt und konzertiert mit weltweit renommierten Orchestern. Kürzlich ist sie zur Co-Direktorin der New Yorker Gruppe für neue Musik Continuum ernannt worden. Sie hat zahlreiche Werke von Komponist*innen wie Philip Glass, Mario Davidovsky, Ryuichi Sakamoto, Tania Leon, Josef Bardanashvili und Benjamin Yusupov uraufgeführt. Im November 2022 trat sie als Solistin in der Weltpremiere von „Vessels of Light” in Kaunas auf, die von Yad Vashem nach ihrer Idee in Auftrag gegeben wurde, das Heldentum von Chiune Sugihara, japanischer Vizekonsul in Litauen während des Zweiten Weltkrieges, zu ehren. Der Vater ihres Mannes, Irving Rosen, wurde dank der Visa, die Sugihara in Kaunas ausgestellt hatte, gerettet. Weitere Aufführungen dieses Werks führten und führen Frau Cooper in die Carnegie Hall, nach Los Angeles, Napa, Mexiko-Stadt, Prag, Warschau, Berlin, Dresden, Leipzig und Paris. Kristina Reiko Cooper erhielt ihren Bachelor- und Master-Abschluss in Musik sowie ihren Doktortitel in Musik an der Juilliard School, wo sie bei Joel Krosnick studierte. Derzeit ist sie Gastprofessorin an der Buchmann Mehta School an der Universität Tel Aviv und stellvertretende Vorsitzende der America-Israel Cultural Foundation sowie tätig im Vorstand des Charney-Forums für neue Diplomatie.

Sie spielt auf einem 1743 Ex-Havermeyer G.B. Guadagnini Cello und lebt mit ihrem Mann und ihren drei Kindern in Tel Aviv.

Die Sopranistin wurde in Reykjavik geboren. Sie studierte im Masterstudium Gesang bei Uta Priew an der Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin. Während ihrer Zeit in Berlin wurde sie von der Helga M. Pálsdóttir-Stiftung in Island und vom Richard-Wagner-Verband in Minden gefördert. Außerdem erhielt sie den Publikumspreis der Internationalen Sängerakademie Schloss Hartenfels in Torgau. Auch war sie Mitglied des Frauenchors „Graduale Nobili“ und sang auf Björks Album „Biophilia“ mit einer sich anschließenden Welttournee. Kristín Anna Guðmundsdóttir sang 2021/22 in der Uraufführung der Oper „Sleepless“ von Peter Eötvös an der Staatsoper Unter den Linden Berlin, mit weiteren Gastspielen am Grand Théâtre de Genève und in der Müpa, Budapest. Weitere Partien waren Micaëla in „Carmen“ bei den Schlossfestspielen Ettlingen und Gräfin in „Le nozze di Figaro“ im Kroatischen Nationaltheater in Varaždin. 2023 war sie mit einem Solorezital „Ljós í myrkri“ am isländischen Opern- und Konzerthaus Harpa in Reykjavík zu Gast und ist erstmals mit Lera Auerbachs „Vessels of Light“ als Sopransolistin mit der Dresdner Philharmonie zu hören gewesen. In dieser Saison ist sie Ensemblemitglied am Stadttheater Bremerhaven.

Seit der Spielzeit 2022/23 gehört Nora Steuerwald zum Ensemble der Oper Leipzig. Dort war sie seitdem mit Partien wie Flora Bervoix in „La Traviata“ und Mercédès in „Carmen“ zu erleben. 2023/24 erfolgten ihre Debüts als Orlofsky in „Die Fledermaus“ und als 3. Dame in der „Zauberflöte“. Gastspiele führten sie unter anderem durch Deutschland, die Schweiz, Amerika, Kanada und Israel. Als Konzertsängerin etablierte sie sich mit den Altpartien in Werken von Bach, Händel und Mendelssohn sowie in Mahlers 2. Sinfonie 2019 in der Laeiszhalle Hamburg. Anfang des Jahres erschien ihre CD „Seelenübervoll“ mit Liedern von Alexander von Zemlinsky zusammen mit der Pianistin Friederike Sieber. Sie wirkte bei Ensembles wie dem Chorwerk Ruhr, dem Kammerchor Stuttgart und dem Collegium Vocale Gent unter Leitung von Philippe Herreweghe. Bereits zu Beginn ihres Studiums gastierte sie bei den Internationalen Händel-Festspielen in Göttingen und war mit 23 Jahren in einer SWR-Radioproduktion von Lindpaintners „Der Vampyr“ unter der Leitung von Frieder Bernius beteiligt. Nora Steuerwald studierte Gesang bei Daniela Sindram an der HfM Würzburg und bei Carola Guber an der HMT Leipzig. Die junge Mezzosopranistin ist Förderpreisträgerin der internationalen sächsischen Sängerakademie Torgau 2015 und Gewinnerin des internationalen Bachwettbewerbs CantateBach Greifswald 2017.

Preisträger des Internationalen Mozartwettbewerbs in Salzburg. Seit 2006 ist er festes Ensemblemitglied der Staatsoper Unter den Linden Berlin, wo er unter anderem die großen Mozart-Partien seines Fachs sang. Neben Daniel Barenboim waren in Berlin unter anderem Philippe Jordan, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle und Omer Meir Wellber seine Partner am Pult. Seine Opern- und Konzerttätigkeit umfasst nationale und internationale Auftritte. Mit René Jacobs arbeitete er wiederholt in Konzerten und Aufnahmen unter anderem mit der Akademie für Alte Musik, dem RIAS Kammerchor, dem Freiburger Barockorchester, dem Helsinki Baroque Orchestra und dem Kammerorchester Basel zusammen, gleiches gilt für seine Zusammenarbeit mit Frieder Bernius und dem Musikpodium Stuttgart. Vergangene Saison erschien seine neueste CD zusammen mit der Mezzosopranistin Katharina Kammerloher und dem Pianisten Eric Schneider mit Mahlers’ Liedern aus „Des Knaben Wunderhorn“. Er sang das Brahms-Requiem beim Rheingau Musikfestival und Berlioz’ „La Damnation de Faust“ beim Coro e Orquestra Gulbenkian in Lissabon. An der Tampere Opera in Finnland gab er sein Rollendebüt als Germont in Verdis „Traviata“.

Eliana Pliskin Jacobs ist jiddische Sängerin, Zirkusartistin, bildende und konzeptionelle Künstlerin und Performancekünstlerin. Als klassisch ausgebildete Mezzosopranistin mit Hintergrund in barocker und jiddischer Vokalmusik hat sie bei den bekanntesten jiddischen Sänger*innen studiert. Als Zirkusartistin begann sie ihre Ausbildung als Kind und tritt seit 2012 als professionelle Luftakrobatin in Kanada, den USA und europaweit auf. Sie hat einen Bachelor of Arts in indigener und westlicher Kunstgeschichte und bildender Kunst (Druckgrafik) von der University of British Columbia und einen Master of Fine Arts von HEAD-Genf. Sie war Gastkünstlerin bei verschiedenen Institutionen in Europa, darunter eine laufende Künstlerresidenz an der Humboldt-Universität zu Berlin. Als Enkelin von Holocaust-Überlebenden aus Deutschland und Yiddishland untersucht Eliana in ihrer künstlerischen Forschung zeitgenössische Holocaust-Gedenkkultur in Deutschland sowie jiddische Musik, Kultur und Geschichte. Sie hat zahlreiche multidisziplinäre Projekte und Produktionen entwickelt, darunter zusammen mit der Klezmer-Band Dobranotch das Jiddisch-Klezmer-Zirkusensemble „Tsirk Dobranotch“, dessen erste Produktion 2023 Premiere feierte. Eliana war Flüsterin bei der deutschen Premiere von Lera Auerbachs „Vessels of Light“ im November 2023 in der Dresdner Philharmonie und im Januar 2024 im Leipziger Gewandhaus.

Vom Herzen Rigas in Lettland bis zum kulturellen Geflecht Berlins hat sich Sasha Lurje als jiddische Sängerin einen Namen gemacht. Sie taucht tief in traditionelle jiddische Stile ein, haucht den alten Melodien Leben ein und leitet gleichzeitig zeitgenössische Projekte. Ob es die Rockbeats von forshpil (forshpil.com), die eindringlichen Melodien des Semer Ensemble oder die innovative Mischung in Projekten wie Black Rooster Kapelye: eine Revue lettisch-jüdischer und lettischer Musik, gesammelt von Emilis Melngalis und Goyfriend: eine Mischung jüdischer und nichtjüdischer Musik über die freundlichen und nicht so freundlichen Nachbarn sind – Sashas Stimme und Leidenschaft sind unverkennbar. Ihre Zusammenarbeit reicht vom Fortunoff Archive der Yale University mit „Songs from Testimonies“ über interkulturelle Unternehmungen mit dem Helsinki Yiddish Cabaret, bei denen sie das Leben der weniger bekannten nordischen jüdischen Gemeinde erforscht, bis hin zu Theateraufführungen mit Michael Wex's „Last Night in Cabaret Yitesh“ und Josh Waletzkys „Pleytem Tsuzamen“. Als aktive Stütze der Berliner Klezmer-Community singt Sasha bei Festivals wie dem Yiddish Summer Weimar, bei dem sie regelmäßig auftritt, oder dem Shtetl Berlin und dem Seattle Yiddish Fest – Festivals, die sie organisiert.

Schauspieler, Sprecher, aber auch Sänger und Liedermacher - vor allem eigenwilliger Interpret - mit seltsam rauher Stimme. Er wirkte in Hörspielen, arbeitete als Synchronsprecher und war in sehr unterschiedlichen Bühnenstücken zu sehen. Programme mit eigenen Liedern und Texten, Folksongs und „Lieder der Welt“ bringt er seit den 1980er Jahren auf die Bühne. Als ein Botschafter des Jiddischen Liedes bereiste er ab 1990 auch eine Reihe von Ländern, z.B. Polen, Frankreich, Belgien, Norwegen, Dänemark, Israel, USA, Croatien, Schweden... Er sammelte in Vergessenheit geratene Lieder, und präsentiert in den letzten Jahren vor allem Tangos und Cabaret-Songs sowie eigene Lieder.

Benjy Fox-Rosen (Los Angeles, 1984) ist Komponist, Performer und Forscher und lebt in Wien. Als Komponist hat er Werke für Chöre, künstlerische Interventionen und Audio-Installationen in Auftrag gegeben. Seine Werke wurden am Arnold Schönberg Center, im Musikverein und bei den Wiener Festwochen aufgeführt. Als Interpret ist Fox-Rosen als Sänger und Bassist tätig und hat sich auf jiddische Lieder und Klezmermusik spezialisiert; drei seiner Aufnahmen wurden vom Forward als jüdische Musikaufnahmen des Jahres gelobt. Fox-Rosen war von 2017 bis 2024 Chordirektor der historischen Wiener Stadttempel-Synagoge, wo er seine Expertise in der Musik der aschkenasischen Synagoge entwickelte. Als Forscher führte Fox-Rosen seine Masterarbeit über den Stadttempel-Chor durch, wobei er ethnografische Forschungsmethoden einsetzte, um Fragen des musikalischen Wandels, der Bedeutung und der Kontinuität zu untersuchen. Fox-Rosen hat auch wissenschaftliche Reflexionen über seine eigene künstlerische Praxis veröffentlicht, die sich auf Fragen der Übersetzung bei der Aufführung jiddischer Lieder, insbesondere im deutschsprachigen Raum, konzentrieren. Fox-Rosen ist derzeit wissenschaftlicher Mitarbeiter am Forschungszentrum Musik und Minderheiten an der Universität für darstellende Kunst in Wien. Sein aktuelles Projekt beschäftigt sich mit der Geschichte der Minderheitenmusikforschung in Wien.

Frieden und Krieg, Sicherheit und Flucht, Unversehrtheit und Bedrohung – das Thema von „Aus den Fugen“ spiegelt sich in zwei Installationen wider, die während des gesamten Festivals im Konzerthaus zugänglich sind.

Ein Podcast-Projekt mit dem Grundkurs Musik des Albrecht-Dürer-Gymnasiums. Erfahren Sie mehr rund um Lera Auerbachs 6. Sinfonie!