Composers have always strived for innovation, as music history has shown, sometimes more radically, sometimes more fluidly. With decisive changes such as a European symphony after Beethoven, the twelve-tone technique of the early 20th century or the first electronic elements of the serialists, attempts have always been made to rethink music, to turn the familiar on its head, sometimes even to shock. However, the idea of recollection has also had a method for some time - as in the parodistic exaggerations of neoclassicism or simply direct quotations from previous works. In this concert, three composers are brought to the stage who each created innovation in their own way: Claude Debussy, who for some invented ‘modern music’ as such in the first place; Béla Bartók, who developed a new tonal language from song material that was sometimes centuries old; Joey Roukens, who shows us in real time how multi-layered music is in the 21st century and how a wide variety of styles can coexist simultaneously without contradicting each other. Three works that could serve as striking proof that the concept of classical music is inexhaustible and that neither the death of a great symphonist, popular music, which is at least as versatile, nor an ageing audience will ever mean the end of it.

Alles andere als zeitgemäß ist heute der Inhalt von Stéphane Mallarmés Gedicht „L’après-midi d’un faune“, entstanden im Jahr 1865. Es beschreibt den inneren Monolog eines lüsternen Fauns, der nach einem Schläfchen in der heißen Mittagssonne am Fuße des Ätna erwacht und sich versucht, daran zu erinnern, wie er zuvor zwei Nymphen nachgestellt hat, unsicher, ob es nicht nur ein liebestoller Traum war. Mit einer solchen unkritisch geschilderten Geschichte aus Täterperspektive dürfte es heutzutage schwer sein, Leser*innen zu begeistern. Doch bereits damals hatte Mallarmé Probleme, einen Verlag zur Veröffentlichung zu finden. Elf Jahre und mehrere Ablehnungen später wurde sein Gedicht im Jahr 1876 erstmals publiziert und erhielt innerhalb der impressionistischen Künstlergesellschaft positive Resonanz – sein bester Freund, der wegweisende Maler Edouard Manet, bebilderte die Erstausgabe mit vier Holzstichen.

Von anderer Seite wurde dieses Gedicht, wie viele von Mallarmés Werken, als schwer verständlich und symbolisch überladen abgestempelt. So äußerte Marcel Proust: „Wie ärgerlich, dass solch ein talentierter Mann jedes Mal, wenn er einen Stift in die Hand nimmt, wahnsinnig wird.“ Kein Wunder also, dass Mallarmé lieber Menschen um sich versammelte, die seine Werke zu schätzen wussten. So entstand die Künstler*innengruppe „Les Mardistes“ (von mardi, frz. Dienstag), die sich jeden Dienstag in Mallarmés Stube traf, um über Literatur, Musik, Malerei und Philosophie zu plaudern. Zu dieser Gesellschaft gehörten neben Mallarmé und Manet weitere wichtige Persönlichkeiten wie Oscar Wilde, Paul Verlaine, Rainer Maria Rilke, Auguste Rodin – und schließlich auch Claude Debussy.

Möglicherweise stieß der Komponist an einem dieser Dienstage auf das 110 Alexandriner lange Gedicht über die hormondurchfluteten Tagträume des Fauns, andere Quellen deuten darauf hin, dass Debussy das Werk in einer Zeitschrift entdeckte. Wie dem auch sei: Debussy war sofort hellauf begeistert von dessen schillernder Sprachmelodie und empfahl es 1887 seinem Komponistenkollegen Paul Dukas. Die Idee zu einer eigenen Vertonung kam ihm jedoch erst einige Jahre später. Im Jahr 1890 begann er mit ersten Skizzen zu einem Stück, das zunächst lediglich als Begleitmusik zu einer Lesung des Gedichts herhalten sollte. Zu dieser Lesung kam es jedoch nie, auch vollendete Debussy diese Version des Stücks nicht. Stattdessen plante er, eine dreisätzige Suite, bestehend aus Prélude, Interlude und Paraphrase finale sur l’Après-midi d’un faune zu schreiben, verwarf jedoch auch diesen Gedanken, um letztendlich im Jahr 1894 die 110 Zeilen des Gedichts in exakt 110 Takte Musik umzusetzen.

Trotz der beibehaltenen Satzbezeichnung ist das „Prélude“ ein vollständiges Stück Musik, das sich, entgegen der Idee einer sinfonischen Dichtung, nicht an der literarischen Vorlage entlanghangelt, um eine Handlung zu erzählen, sondern sich vielmehr auf die reinen Stimmungen des Gedichts konzentriert. So schrieb der Komponist selbst: „Die Musik dieses Prélude verbildlicht auf sehr freie Weise Mallarmés schönes Gedicht. Sie macht nicht den Anspruch es nachzuerzählen, vielmehr besteht sie aus einer Reihe von Kulissen, vor deren Hintergrund sich die Begierden und Träume des Fauns in der Hitze dieses Nachmittags bewegen. Ermüdet davon, die furchtsamen Nymphen und scheuen Naiaden zu verfolgen, gibt er sich einem Höhepunkt der Lust hin, zu dem der Traum eines endlich erfüllten Wunsches führt: des vollkommenen Besitzes der ganzen Natur.“ Diese träumerische, erotisch aufgeladene Atmosphäre zeichnet Debussy mit warmen, wabernden Harmonien, angeführt von einer der berühmtesten Flötenmelodien der Musikgeschichte, die sich chromatisch im Rahmen eines Tritonus hin- und herbewegt.

Für viele Musikwissenschaftler*innen markiert dieses Stück den Beginn des musikalischen Impressionismus, für Pierre Boulez ist Debussys „Prélude“ sogar die Initialzündung zur modernen Musik überhaupt: „Seit der Flöte des Fauns atmet die Musik anders“. Debussy selbst bescherte das Stück den kompositorischen Durchbruch, gegen die Bezeichnung als Impressionist wehrte er sich jedoch sein ganzes Leben: „Ich versuche etwas Neues zu erschaffen – sozusagen Wirklichkeiten: das, was die Dummköpfe Impressionismus nennen. Ein Ausdruck, der unpassender nicht sein könnte.“

Joey Roukens ist einer der spannendsten niederländischen Komponisten der Gegenwart. Mit seinem eklektischen, ganzheitlichen Ansatz, Musik verschiedenster Provenienz zu vereinen – sei es tonal und atonal, populär und klassisch oder eine Mischung verschiedener kultureller Einflüsse – steht er in der Tradition Bela Bartóks. Doch sein Werk „In Unison – Konzert für zwei Klaviere und Orchester“ ist kein herkömmliches Konzert: „Nach und nach entstand die Idee, ein Doppelkonzert zu schreiben, in dem die beiden Solisten nicht so sehr wie zwei getrennte Solisten, sondern gewissermaßen wie ein Superpianist auf einem Superpiano klingen sollten, was bedeutet, dass es viele Unisono-Passagen gibt“, schreibt Roukens selbst über sein Werk. Inspiration dafür schöpfte er aus Aufnahmen von Lucas und Arthur Jussen, die ihn mit ihrem perfekt aufeinander abgestimmten Spiel so begeisterten, dass er ihnen er das Werk daher widmete.

Das Konzert beginnt mit einer treibenden, grellen Toccata. Roukens nutzt darin Harmonien, die er mit „neonfarbener“ Popmusik assoziiert. Herzstück des Konzerts ist der langsame Mittelsatz, der von pulsierenden Tonrepetitionen und ätherischen Klangfarben lebt, die einen cineastischen Ausbruch einrahmen. Das Finale, von Roukens als, düsterer, wahnsinniger Ritt bezeichnet, erinnert in seiner perkussiven Gewalt zeitweise an Schostakowitsch. In einer Art Todestanz teilen sich in einer brodelnden Passage kurz vorm Ende nur noch die beiden Klaviere mit der Pauke die Bühne, bevor das Orchester noch einmal zum letzten Schlag ausholt.

Arthur & Lucas Jussen gehören zu den gefragtesten Klavierduos unserer Zeit. Angesichts ihrer glänzenden internationalen Karriere kann man sagen, dass die Brüder Jussen (geb. 1993 und 1996) Hollands bekannteste Botschafter in Sachen klassische Musik sind. Zurückliegende Engagements führten sie zu Orchestern wie dem Boston Symphony Orchestra, The Philadelphia Orchestra, Concertgebouworkest, Budapest Festival Orchestra, NDR Elbphilharmonie Orchester und der Academy of St Martin in the Fields. Sie arbeiteten mit vielen namhaften Dirigenten zusammen, darunter Christoph Eschenbach, Iván Fischer, Sir Neville Marriner, Andris Nelsons, Yannick Nezét-Séguin, Jukka-Pekka Saraste und Jaap van Zweden.

In der Saison 2024/2025 sind die Brüder Jussen Artists in Residence des Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo. Zu den Höhepunkten der neuen Spielzeit gehören darüber hinaus Konzerte in Leipzig sowie eine anschließende Europatournee mit dem Gewandhausorchester. Neben ihren Debüts beim Chicago Symphony Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic, Göteborgs Symfoniker und Israel Philharmonic bringen die Jussens gemeinsam mit dem brasilianischen Jugendorchester „Neojiba“ Osvaldo Golijovs „Nazareno” bei Konzerten in Deutschland, Italien und den Niederlanden zur Aufführung. Im Rezital sind sie u.a. in Paris, Amsterdam, Oslo, London, Rom, Neapel, Zürich, Mannheim und Stuttgart zu hören.

Seit 2010 sind Lucas & Arthur Jussen beim Label Deutsche Grammophon unter Vertrag. Nach einem Schubert-Album und „Jeux”, einer Aufnahme mit französischer Klaviermusik, erschien 2015, begleitet von der Academy of St Martin in the Fields und Sir Neville Marriner, ein Album mit den Mozartkonzerten KV 242 und KV 365. 2019 veröffentlichten die Jussen-Brüder, begleitet von der Amsterdam Sinfonietta, eine Aufnahme mit Konzerten und Chorälen von Johann Sebastian Bach. Auf „The Russian Album” (2021) interpretieren sie Werke für zwei Klaviere von Rachmaninow, Strawinsky und Arensky. In ihrer jüngsten Einspielung „Dutch Masters” (2022), unterstützt u.a. vom Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, widmen sie sich Werken holländischer Komponisten.