Das Genre der Rhapsodie (von rhápto = zusammensetzen und odē = Gesang) war bereits im antiken Griechenland bekannt. Es bezeichnete damals aneinandergereihte Bruchstücke (Homerischer) Epen oder anderer Dichtungen, die von fahrenden Sängern vorgetragen wurden. Auch wenn der Inhalt sich über die Jahrhunderte gewandelt hat und man unter Rhapsodie heute ein Vokal- oder Instrumentalwerk versteht – das Prinzip ist noch immer dasselbe: Die Themen sind lose verbunden, die musikalischen Gedanken führen teils ein Eigenleben. Als der englische Komponist Herbert Howells sein 1919 entstandenes Werk für Klarinette und Streichquartett „Rhapsodic Quintet“ nennt, hat er mit diesem Titel die einsätzige Form im Sinn: eine lange fließende Folge liedartiger, nicht selten kontrastierender Melodien.

Mit 15 Jahren beginnt er an der Londoner Royal Academy of Music Flöte, Klavier und Komposition zu studieren, mit 21 wird er hier zum Professor für Komposition ernannt. Zu seinem Werkkatalog gehören mehr als 300 Kompositionen fast aller Gattungen, darunter Opern, Sinfonien, Ballette, Konzerte, Vokalwerke, Kammermusik und gut 80 Filmmusiken. Die Rede ist von dem englischen Komponisten, Dirigenten und Musiklehrer William Alwyn, 1905 in Northampton etwa 100 Kilometer nördlich von London geboren und 1985 in der Grafschaft Suffolk gestorben. Hier, im Dorf Blythburgh, wo er die letzten 25 Jahre seines Lebens verbringt, komponiert Alwyn 1971 eine Fantasie-Sonate für Flöte und Harfe, die er „Naiades“ überschreibt. In der Tat lassen die improvisatorischen, immer weiter gesponnenen Linien der Flöte an das Element denken, in dem die titelgebenden Wassergöttinnen der Antike hausten: an fließendes Wasser. Auch umspielen beide Instrumente einander und führen schier endlose Zwiegespräche: luftig, filigran und elegant.

Nach Jahren der pianistischen Ausbildung durch die Chopin-Schülerin Mauté de Fleurville, nach einem Studium am Pariser Conservatoire, einer Tätigkeit als Hauspianist bei Tschaikowskys Mäzenin Nadeshda von Meck, einem Aufenthalt in Rom, ausgedehnten Konzertreisen und verschiedenen Kompositionen widmet sich Claude Debussy 1893 mit seinem ersten und einzigen Streichquartett erstmals der Kammermusik. Sechs Jahre später entsteht seine Rhapsodie für Saxophon und Klavier. 1909/10 folgt dann (als Prüfungsstück für das Pariser Conservatoire) die Première Rhapsodie für Klarinette und Klavier, die in einer Bearbeitung des französischen Harfenisten, Dirigenten und Hochschullehrers Sylvain Blassel den heutigen Abend beschließt. Kein Geringerer als Pierre Boulez bescheinigte Debussy in Sachen Kammermusik die „völlige Umwälzung all jener Begriffe, die bis dahin unverrückbar geblieben waren“ und konstatierte: „Das in Bewegung Befindliche, das Momentane dringt in die Musik ein.“

Das 2008 aus Musikern des Konzerthausorchesters Berlin gegründete Horenstein Ensemble zeigt die große Vielfalt der Kammermusik und das Zusammenspiel der verschiedenen Instrumentengattungen wie Streicher, Bläser und Harfe in spannungsvollen Konzertprogrammen auf. Unterschiedliche, zum Teil außergewöhnliche Besetzungen auch mit Gastmusikern sind kennzeichnend für den Charakter des Ensembles.

Das Repertoire ist nicht auf eine bestimmte Musikepoche begrenzt und umfasst Werke von Mozart und Spohr über Brahms, Ravel und Messiaen bis hin zu Widmann und Yun. Darüber hinaus widmet sich das Horenstein Ensemble der in Deutschland selten zu hörenden englischen Kammermusik, wie den Kompositionen von Vaughan Williams, Bax, Elgar, Somervell, Arnold, Butterworth und Britten. 

Durch die enge Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Komponisten entstanden zahlreiche Auftragskompositionen für die besondere Besetzung des Ensembles: So wurde 2010 das Werk „Philaki“ von Samir Odeh-Tamimi zum Mauerfallgedenken uraufgeführt und 2011 „Le Tombeau de Maurice Ravel“ von Allain Gaussin, eine Hommage an den bedeutenden Vertreter des musikalischen Impressionismus. 2017 fand die Uraufführung von „Die Dichterliebe recomposed“ von Christian Jost im Konzerthaus Berlin statt, es folgte 2018 „Poéme secret“ von Robert Groslot.

Die ungeteilte Verehrung für das Wirken des Dirigenten Jascha Horenstein, der eine starke, künstlerische Bindung an Berlin hatte, gab dem Ensemble seinen Namen.

Nachdem das Ensemble 2011 sein Debütalbum „Tempelhof“ bei dem Label ACOUSENCE records als CD und Vinyl-LP veröffentlichte, erschien 2015 die zweite Einspielung auf demselben Label. „Lost Generation“ ist der Titel des Albums, auf dem das Horenstein Ensemble der Frage nachgeht, was jene Generation von Komponisten, die sehr jung im 1. Weltkrieg gefallen ist, noch hätte erschaffen können. Exemplarisch hierfür stehen George Butterworth, Cecil Coles und Rudi Stephan, deren Kompositionen teilweise als Ersteinspielungen auf dieser CD abgebildet wurden. 2019 erschien bei dem Label „Deutsche Grammophon“ die Aufnahme der „Dichterliebe“ von Christian Jost mit dem Horenstein Ensemble auf CD, eine Neukomposition von Robert Schumann´s Liederzyklus für Gesang und Kammerensemble.

Die Vision, grenzüberschreitend und innovativ nach neuen Wegen zu suchen, sowohl musikalisch als auch bei der Vermittlung von Kunst und Musik, ist für das Horenstein Ensemble Antrieb und Anspruch zugleich.

www.horensteinensemble.de