An manchen Tagen ist alles anders. Das gilt nicht nur für den rheinischen Karne­val, sondern landauf landab auch für den Jahreswechsel. Silvester und Neujahr sind dabei zusammen zu denken. „Erst das Fest, dann der Kater“, möchte man sagen angesichts der obligatorischen Elemente, die zu Beginn der Feier oder Party bereit stehen müssen: Luftschlangen, Konfetti, Glückssymbole, das für die mitternächtliche Stunde vorbereitete Feuerwerk und natürlich alkoholische Getränke. Schon der römische Politiker, Historiker und Philosoph Cicero fragte sich, was wohl von den Consuln am 1. Januar zu erwarten wäre, und antwortete: „Ausschlafen der Räusche!“ Tatsächlich sind der letzte Tag des alten und der erste Tag des neuen Jahres eng miteinander verbunden. Deutlicher wird dies etwa in der nur noch regional üblichen Bezeichnung von Silvester als „Altjahr“ oder „Altjahrsabend“, die in anderen Sprachen wie dem Englischen, Portugiesischen oder in Skandinavien munter fortlebt: New Year’s Eve, Véspera de Ano-Novo und Nyårsafton. Dass wir überhaupt „Silvester“ feiern, ist den Römern und Papst Gregor XIII. zu verdanken: Schon in der Antike war der Neujahrstag vom 1. März auf den 1. Januar verlegt worden, was im Jahre 1582 durch die Einführung des bis heute gültigen Gregorianischen Kalenders wiederhergestellt bzw. bestätigt wurde. Der vorausgehende 31. Dezember fiel auf den Todes- und Namenstag des heiligen Silvester.

Wann und wie genau die heute in nahezu jeder Stadt gepflegte Tradition von Sil­vester- und Neujahrskonzerten begann, ist nicht genau zu belegen. Der Wunsch, den Jahreswechsel als ein gesellschaftliches Ereignis mit live gespielter Musik zu begehen, ist jedenfalls bis in die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts zurückzuver­folgen. So beginnt etwa die Geschichte des legendären und vom Fernsehen in alle Welt übertragenen Neujahrskonzerts der Wiener Philharmoniker mit einem am 31. Dezember 1939 abgehaltenen Benefizkonzert zu Gunsten der propagandistisch unterlaufenen Winterhilfe. Mit dem dort bis heute tradierten „leichten“ Repertoire sollte „die Moral an der Front und in der Heimat“ gestärkt werden. Dass man aber Silvester und Neujahr ebenso unterhaltsam mit einem ernsten Rekurs auf große Themen der Literatur und des Dramas begehen kann, zeigt in diesem Jahr das Konzerthausorchester Berlin. Mit Orpheus, dem griechischen Sänger, Geschichten von Liebesglück und Liebesweh sowie der Tragödie zwischen Romeo und Julia lässt sich der Jahreswechsel genauso begehen: Mögen uns dabei alle guten Wünsche und Vorsätze ins neue Jahr und durch 2024 geleiten.

Wenn doch bloß der griechische Sänger Orpheus bereits diesen neuzeitlichen Schlager gekannt hätte ... Wäre er dem Rat gefolgt, so hätte er seine geliebte Eurydike nicht verloren. Diese war auf der Flucht vor dem sie bedrängenden Aristaios durch einen Schlangenbiss gestorben und somit in die Unterwelt eingezogen. Orpheus, der schon zuvor als Begleitung von Iason und den Argonauten das Meer und selbst die Sirenen bezwang, erweichte mit Har­fenspiel und Gesang nun auch die Unterwelt, in die er hinabgestiegen war, um seine geliebte Frau und Nymphe zu retten: Konnte er zwar Hades, Persephone und den Höllenhund Kerberos in Schach halten, so wurde er am Ende doch von seinen eigenen Gefühlen, seinem Misstrauen und seiner Sorge beim Aufstieg besiegt: Nachdem er nicht mehr die Schritte seiner ihm folgenden Frau hörte, drehte er sich entgegen des geschlossenen Paktes um – und Eurydike wurde wieder und für immer zurückgezogen.

Dass gerade diese griechische Tragödie zu einem der Ausgangspunkt für die mo­derne Oper wurde, muss nicht verwundern – bietet das Drama doch alle emotio­nalen Ingredienzen für ein musikalisches Bühnenschauspiel. Auch wenn Claudio Monteverdis am 24. Februar 1607 in Mantua uraufgeführte Vertonung nicht die allererste Oper war, so setze die doch entscheidende Impulse. 250 Jahre später nahm sich auch Jacques Offenbach des Stoffes an – allerdings in Form eines sa­tirischen Gleichnisses auf das zweite französische Kaiserreich, den Kaiser selbst und die Pariser Haute-Volée. Aus dem Höllentanz wurde dabei der Can-Can, das Ende aber bleibt in dieser Operette genauso tragisch wie das Original.

Nicht nur in den antiken Mythen geht es um Liebe. Nahezu die gesamte Opern­geschichte erzählt von ihr in allen erdenklichen Variationen: mal in naiver Heiterkeit (Papageno und Papagena in der „Zauberflöte“), mal voller Rachsucht (wie in Cherubinis „Médée“), mal als Erlösung (Senta im „Fliegenden Holländer“), oft aber verbunden mit zahllosen Ränken, Umwegen und Verwechslungen. Eine ganz neue, freche und weiblich selbstbewusste Variante etablierte sich im Vorfeld der Französischen Revolution: So in Pierre Augustin Caron de Beaumarchais’ Komödie „La Folle Journée ou le Mariage de Figaro“ (Der tolle Tag oder: Die Hochzeit des Figaro) aus dem Jahre 1778 – ein die Unmoral des Adels drastisch anprangerndes Schauspiel, das die Zensur auch in Wien beschäftigte. Angesichts dessen entschärfte Lorenzo da Ponte als Librettist die politisch heikle Vorlage für Mozarts in italienischer Sprache komponierte Opera buffa „Le nozze di Figaro“, die am 1. Mai 1786 Premiere im Burgtheater hatte. Hier nun konzen­triert sich die Handlung auf ein Verwirrspiel, in dem auch der liebestolle Page Cherubino einen wunderbaren Auftritt mit einer eigenen Cavatina hat.

Auch Gioachino Rossinis Opera buffa „Il barbiere di Siviglia“ basiert auf einem Schauspiel von Beaumarchais. Es ist ein Werk voller Überraschungen – auch was die Entstehung angeht: Rossini komponierte es im Alter von gerade einmal 23 Jahren Anfang 1816 in einem Zeitraum von längstens drei Wochen als Auftrag für das Teatro Argentina in Rom. Dieser „Barbier“ stand damals in unmittelbarer Konkurrenz zu der gleichnamigen Oper aus dem Jahre 1782 des um fast zwei Generationen älteren Giovanni Paisiello, das als Repertoirestück in ganz Europa auf dem Spielplan stand. Auch wenn sich viele Legenden um die Uraufführung gebildet haben, so muss sie wirklich unglücklich und skandalträchtig verlaufen sein: Paisiellos Parteigänger störten mit Pfiffen, ein Sänger stürzte und schlug sich dabei die Nase blutig, am Ende soll sich gar eine Katze auf die Bühne verirrt haben. Mittendrin besingt Rosina mit reichen Koloraturen und einem Brief in der Hand ihre Liebe zu Lindoro – dem hier bürgerlich inkognito auftretenden Grafen Almaviva.

Von dem Wunsch nach einer besseren Zukunft singt auch Leonard Bernstein in seinem Song „Somewhere“ aus dem Musical „West Side Story“ (1957):

„Es gibt ei­nen Ort für uns / Irgendwo, ein Ort für uns / Friedlich und ruhig unter freiem Himmel / Er wartet auf uns, irgendwo.“ Die über viele Monate hinweg entstande­ne moderne Adaption des alten Shakespeare-Dramas gehört heute zu den wichtigs­ten und wegweisenden Werken dieses Genres – mit einer Bedeutung, die schon Bernstein bei der Arbeit spürte: „Ich fühle, dass es ein Stück ist, das auf seine lustige, ein wenig verrückte Art ein Klassiker ist.“ Gemeint war allerdings nur das von Arthur Laurents und Stephen Sondheim stammende Libretto, das den Großstadt-Slang der 1950er Jahre auf einzigartige Weise festgehalten hat; in seinem Kern geht es auf „Romeo und Julia“ zurück. Doch auch musikalisch setzte Bernstein neue Akzente, indem er nur wenige Monate nach der äußerst erfolgreichen „My Fair Lady“ von Frederick Loewe mit der Verknüpfung von ganz unterschiedlichen Formen, Gattungen und Musikstilen sowie unter Einbeziehung des Tanzes ein vollkommen neues Musical-Modell mit dunkler Dramatik schuf. Dazu zählt auch die leitmotivische Verwendung von Rhythmen zur Charakterisierung der beiden verfeindeten Gangs: Während den einheimischen „Jets“ Hard Bop und Cool Jazz zugeordnet werden, wird die Herkunft der puertoricanischen „Sharks“ durch lateinamerikanische Tänze angezeigt (etwa im Huapango in „America“).

So geläufig aber die von Tony gesungene Liebeserklärung an Maria ist, so unbe­kannt ist die Vorgeschichte des Welterfolgs, der zunächst den Arbeitstitel „East Side Story“ trug und in einem jüdisch-christlichen Umfeld spielen sollte – was Bernstein jedoch als zu wenig aktuell erschien. Dass heute seine Komposition genauso wie einzelne Nummern daraus aus den Musical-Theatern wie auch von den Konzertpodien der Welt nicht mehr wegzudenken sind, liegt in ihrer Mehrdeutigkeit begründet, die Bernstein selbst so beschrieb: „Hauptproblem: die feine Scheidewand zwischen Oper und Broadway zu finden, zwischen Wirklichkeit und Dichtung, zwischen Ballett und bloßem Tanz, zwischen Abstraktion und Abbildung.“

Die französisch-italienische Mezzosopranistin Lea Desandre wurde bei der Auszeichnung Opus Klassik 2022 zur „Sängerin des Jahres“ gekürt. Ihre Bühnenkunst und Musikalität haben ihr die Türen zu Bühnen wie der Opéra de Paris, den Salzburger Festspielen, dem Festival d'Aix-en-Provence, dem Opernhaus Zürich und dem Liceu Barcelona geöffnet. Ihre Karriere wird 2023/24 mit einer Saison voller Rollen fortgesetzt: Idamante in „Idomeneo“ in einer Neuproduktion am Grand Théâtre de Genève, die Titelrolle in Charpentiers „Médée“ an der Opéra de Paris oder Händels „Ariodante“ auf Europatournee. Außerdem gibt sie „Chasing Rainbows“, eine Musical-Hommage an Julie Andrews mit Thomas Dunford/Jupiter. Sie kehrt in die Carnegie Hall und in die Vereinigten Staaten zurück und tourt durch Japan und Europa, um die Veröffentlichung ihrer neuesten Aufnahme für Erato/Warner, „Idylle“, im Duett mit Thomas Dunford zu feiern.

Ihre Liebe zur Musik und zum Text haben Lea Desandre zu Auftritten in Konzerten und Liederabenden in der Wigmore Hall, dem Wiener Musikverein, der Walt Disney Concert Hall, der Philharmonie de Paris, den Berliner Philharmonikern, dem Théâtre des Champs-Elysées, dem Mozarteum Salzburg, dem Sydney Opera House, Opéra de Bordeaux, Alice Tully Hall NYC, Tchaikovsky Concert Hall, Shanghai Symphony Hall und Opéra de Versailles geführt. Dabei hat sie mit international renommierten Dirigent*innen gearbeitet.  

Lea Desandre studierte bei Sara Mingardo in Venedig. 2015 trat sie der Jardin des Voix Academy von William Christie und 2016 der Mozart Academy des Festivals Aix-en-Provence bei. 2017 wurde sie zur „Revelation lyrique“ bei den Victoires de la Musique Classique ernannt und gewann 2018 den HSBC-Preis. Ihre erste Aufnahme, „Amazone“, erschien 2021 exklusiv für Erato Warner mit dem Ensemble Jupiter unter der Leitung von Thomas Dunford und Cecilia Bartoli, mit Véronique Gens und William Christie als Gästen. Ihr zweites Album „Eternal Heaven“, das sie zusammen mit Thomas Dunford, Iestyn Davies und Jupiter aufgenommen hat, erschien im Herbst 2022.