Das Programm des heutigen Konzerts umspannt gerade einmal 50 Jahre – doch welche dramatischen Umbrüche geschahen in dieser kurzen Zeit! In Johann Sebastian Bachs Ouvertüre treten italienischer und französischer Stil – konzertantes Feuer gegen gemessenen Tanzschritt – in einen schöpferischen Dialog, Mozarts Sinfonien und Konzerte sind dagegen pures musikalisches Drama! Und Rebels Ballettmusik „Die Elemente“ konzentriert die Vorstellung des Chaos nicht auf einen einzigen Satz (wie etwa in Haydns „Schöpfung“), sondern auf einen einzigen Akkord, der auch noch für den Hörer der Gegenwart einfach nur schockierend wirkt.

Im Jahre 1729 nahm Georg Balthasar Schott, bisheriger Musikdirektor der Leipziger Neuen Kirche, einen Ruf als Stadtkantor nach Gotha an. Schott hatte übrigens im Frühjahr 1723 auch zu den Bewerbern um das Leipziger Thomaskantorat gehört. Wiewohl Bach zu Schott sicherlich ein kollegiales Verhältnis hatte, brachte dieser Wechsel für sein Wirken als Director musices und Thomaskantor zwei entscheidende positive Veränderungen: Er konnte als Nachfolger Schotts seinen ständigen Vertreter und somit Mann seines Vertrauens Carl Gotthelf Gerlach (1704-1761) als Musikdirektor und Organist an der Neukirche installieren, und Bach übernahm von Schott die Leitung des einstmals von Telemann gegründeten studentischen Collegium Musicum, das unter Bachs künstlerischer Direktion seine bedeutende Stellung in der Leipziger kulturellen Szene ausbaute. Dieses Collegium Musicum rekrutierte sich vor allem aus musikbegeisterten Studenten, die zum Teil beachtliche instrumentale Fertigkeiten aufwiesen. Natürlich wirkten auch Bachs beste Schüler, vor allem seine älteren Söhne, bei den Aufführungen des Collegium Musicum an verantwortungsvollen Positionen mit. Allwöchentlich musizierte man im Zimmermannischen Kaffeehaus (dies während der warmen Jahreszeit im Freien), außerdem wusste Bach sein Collegium Musicum zu repräsentativen Anlässen, etwa zu lautstarken Huldigungsmusiken zu Ehren des gerade in Leipzig weilenden oder entfernten Landesherren, zu mobilisieren. Nicht zuletzt verfügte Bach durch die Leitung des Collegium Musicum über einen auf seine musikalischen Intentionen eingestellten Musikerstamm, auf den er auch für seine kirchenmusikalischen Aufführungen zurückgreifen konnte.

Sicherlich geht man nicht fehl, zahlreiche in Leipzig entstandene bzw. für Wiederaufführungen eingerichtete Instrumentalwerke mit dem Collegium Musicum in Verbindung zu bringen. Doch ist hier die Dunkelziffer sehr groß – es lässt sich heute nicht einmal in Umrissen rekonstruieren, in welchem Umfang Bach überhaupt Instrumentalwerke aus seinen Hofmusiker- und Kapellmeisterjahren in Weimar und Köthen mit nach Leipzig nehmen konnte, welche der nachweislich in Leipzig aufgeführten Werke Neukompositionen bzw. Bearbeitungen älterer Werke sind.

Die gleichsam „unendliche Melodie“ des Air verhalf der Ouvertüre D-Dur BWV 1068 zu besonderer Berühmtheit und Popularität. Wie zur Ouvertüre h-Moll existiert auch zu diesem Werk ein teilautographer Stimmensatz aus der Zeit um 1729 (in diesem Jahr übernahm Bach die Leitung des Collegium Musicum!), der die Verwendung dieser Orchestersuite in Bachs Leipziger Wirksamkeit als Director musices bezeugt. Eindeutige Rückschlüsse auf die Datierung lassen sich aber auch für dieses Werk nicht ziehen. So genau sich der Aufführungskalender der Leipziger Kirchenmusik mittlerweile rekonstruieren lässt, so unbekannt bleiben weiterhin Umfang und Datierung des Bachschen Instrumentalwerkes für die musikwissenschaftliche Forschung. Die Wertschätzung des Bachschen Werkes bleibt davon jedoch unberührt – die vier Orchestersuiten gehören zu den meistgespielten und von Kennern und Liebhabern gleichermaßen geschätzten Schöpfungen Bachs.

Als Mozart von der Münchner Premiere des „Idomeneo“ durch seinen Erzbischof Hieronymus Graf Colloredo direkt nach Wien beordert wurde (Ankunft dort am 16. März 1781), erlebte er das Musikleben der Donaumetropole in seiner ganzen verführerischen Pracht und für die Ausübung seiner Profession äußerst günstig. Sein Schritt in das ungesicherte Leben eines freien Künstlers, den er seit seiner Ankunft in Wien zielstrebig und in für seine Mitmenschen geradezu bestürzender Konsequenz verfolgte, war auf dieser Grundlage zwar riskant, nicht aber unüberlegt. „... hier ist ein Herrlicher ort ... und für mein Metier der beste ort von der Welt“, suchte Mozart bereits am 4. April des Jahres – noch unter dem Eindruck eines ersten großen Erfolges in der Öffentlichkeit – seinen Vater entsprechend zu präparieren. Natürlich strebte Mozart sofort danach, bei Hof Fuß zu fassen, doch über gelegentliche Aufträge hinaus waren die entscheidenden Positionen langfristig besetzt, und die Stelleninhaber sahen in Mozart nicht allein sein Talent und Genie, sondern auch eine gefährliche Konkurrenz. Immerhin erhielt Mozart bereits 1781 auf Veranlassung des Kaisers den Auftrag zu einer deutschen Oper – „Die Entführung aus dem Serail“, am 16. Juli 1782 im Wiener Burgtheater uraufgeführt, wurde schließlich der größte Bühnenerfolg zu seinen Lebzeiten. (Selbst der Salzburger Erzbischof und Erzfeind Hieronymus Graf Colloredo bezeichnete das Werk nach der dortigen Erstaufführung von 1784 als „wirklich nicht übl“.) Ansonsten verdiente sich Mozart sein Einkommen vor allem in selbstveranstalteten Konzerten und ganzen Konzertreihen, in denen er sich seinem Publikum nicht allein als Komponist der meisten der aufgeführten Werke, sondern auch als Virtuose und Improvisator auf dem Klavier sowie als Dirigent (wenn man die damals übliche Leitung des Orchesters vom Klavier aus bereits als „Dirigieren“ bezeichnen möchte) präsentierte. Honorare für Kompositionen sowie für Unterrichtsstunden waren allenfalls ein bescheidenes Zubrot für die „Portokasse“, zudem unterrichtete Mozart höchst ungern, da ihm diese Stunden Zeit für seine eigentliche Berufung, die Komposition, wegnahmen.

Mozarts intensiver Konzerttätigkeit in den Jahren 1784-86 – es waren dies Mozarts „einträglichste“ Jahre in Wien – und dem damit verbundenen Bedarf an neuen Werken verdanken wir die Reihe herrlicher Klavierkonzerte, die zweifellos einen Höhepunkt der Geschichte der Gattung markieren. Das Konzert Es-Dur KV 271 war jedoch ein „Mitbringsel“ aus Salzburg, wo es im Januar 1777 für die Pianistin Jeunehomme (daher der inoffizielle Beiname „Jeunehomme-Konzert“), aber auch für den Eigenbedarf komponiert wurde. Mozart spielte es zum Beispiel in der denkwürdigen Tonkünstler-Akademie am 3. April 1781, auf die er in seinem oben zitierten Brief Bezug nahm und die seinen Entschluss zur Übersiedelung von der Salzach an die Donau entscheidend beflügelte. In seiner Ausdruckstiefe und in der meisterlichen, aber auch durchaus witzigen Handhabung des Dialogs zwischen Solist und Orchester – man vergegenwärtige sich etwa den immer wieder überraschenden Einsatz des Solisten im Verlaufe des Kopfsatzes – fügt es sich aber würdig in die Reihe der großen Klavierkonzerte ein und weist weit voraus über die Wiener Meisterkonzerte Mozarts auf die späten Konzerte Beethovens.

Die laut autographer Datierung am 5. Oktober 1773 vollendete Sinfonie g-Moll KV 183 ragt zweifellos aus den im näheren zeitlichen Umkreis komponierten Sinfonien hervor, in denen trotz einiger gewagter kompositionstechnischer Details noch ein unverbindlich-unterhaltender Ton herrscht. Diese Sinfonie ist in der frechen Kühnheit ihrer Tonsprache ein Werk des Mutwillens ihres 17jährigen Komponisten, der zuallererst äußerliche Wirkungen bemüht wie z. B. die Aufstockung des Orchesters zu einer für die damalige Zeit höchst ungewöhnlichen Bläserbesetzung mit vier Hörnern! (Was sich der junge Künstler allerdings von seinem großen Vorbild Joseph Haydn abgeschaut hatte, der kurz vorher ebenfalls eine g-Moll-Sinfonie mit vier Hörnern komponiert hatte.) Auch wartet der ungestüme Komponist bereits in den ersten Takten des eröffnenden Allegro con brio mit Stilmitteln auf, die musiktheatralischen Horrorszenen zu höchster Ehre gereicht hätten: Dramatisches, z. T. verminderte Akkorde umschreibendes Unisono, ausgefüllt in den Streichern mit einem wild peitschenden Rhythmus, dann hinaufschießende Streicherfiguren, in die die Hörner ihre geballte Kraft hineinzustoßen haben, beantwortet von jähen dynamischen Kontrasten ... Dem freundlichen Seitensatz bleibt im vehementen Gesamtgeschehen nur ein Inseldasein beschieden. Idyllisch gestaltet dagegen der langsame Satz (Andante), in dem die Fagotte mit den gedämpften Violinen in einen eng verzahnten Dialog treten. Das Trio des mit harter Kontrastsetzung gestalteten Menuetts bildet erneut einen lichten Ruhepunkt – in hellem G-Dur vereinen sich die Bläser zu einträchtigem Wohlklang, bis die Wiederholung des Menuetts und das Finale wieder den ernsten, schroffen Grundton, der diese Sinfonie allgemein kennzeichnet, auf den Hörer übertragen.

Alexandra Dovgan wurde 2007 in eine Musikerfamilie hineingeboren und begann ihr Klavierstudium im Alter von viereinhalb Jahren. Im Alter von fünf Jahren zeigte sich ihr Talent, als sie die Auswahl für den Eintritt in die Akademische Zentrale Musikschule des Moskauer Staatlichen Konservatoriums bestand, wo sie bei Mira Marchenko studierte.

Alexandra Dovgan ist Preisträgerin von fünf internationalen Wettbewerben, darunter der Moskauer Internationale Wladimir-Krainew-Klavierwettbewerb, der Internationale Wettbewerb für junge Pianisten „Astana Piano Passion“ und der Internationalen Fernsehwettbewerb für junge Musiker „Der Nussknacker“. Zehnjährig gewann sie den Grand Prix beim II. Internationalen Grand Piano Competition. Die Aufzeichnungen dieser Veranstaltung gingen auf medici.tv und YouTube um die Welt.

Trotz ihres jungen Alters gab Alexandra bereits ihr Debüt bei Festivals (Ruhr, la Roque d’Antheron, Rheingau Musik Festival, Gstaad Menuhin Festival, in Granada, Malaga und Verbier) und in Konzertsälen wie der Berliner Philharmonie, dem Théâtre des Champs-Élysées in Paris, dem Amsterdamer Concertgebouw, dem Wiener Konzerthaus, der Victoria Hall in Genf und dem Konzerthuset in Stockholm sowie bei den Salzburger Festspielen.

Im September 2022 gab sie ihr Doppeldebüt in Japan: Sie spielte mit der Kioi Sinfonietta und Trevor Pinnock beim Eröffnungskonzert der Saison und einige Tage später bei einem Solokonzert im selben Saal. Weitere Auftritte in Osaka, Nagoya und Kawasaki rundeten die Tour ab. Im April 2023 debütierte sie mit dem Tonhalle-Orchester in Zürich unter der Leitung von Paavo Järvi.

Neben dem Klavier liebt Alexandra Dovgan Skifahren, spielt Orgel, lernt Ballett und Mathematik und verbringt Zeit mit ihrem kleinen Bruder.