Zu viel des Guten kann wundervoll sein. Zumindest sah das die amerikanische Schauspielerin, Sängerin und Femme fatale Mae West (1893-1980) so, die diese dionysische Weisheit lebte und prägte und ihr auf manch eine Spruchpostkarte mit Sahnetorten im Hintergrund verhalf.  

Die beiden Herren Beethoven und Bruckner hätten dieses Bonmot in Bezug auf ihren Lebensstil wahrscheinlich kaum so formuliert. In Bezug auf ihre Musik, so scheint es, vertraten sie es eher – wenngleich das Publikum nicht immer derselben Ansicht war: „Da haben wir denn auch in der bittersten Kälte von halb sieben bis halb elf ausgehalten und die Erfahrung bewährt gefunden, dass man auch des Guten – und mehr noch, des Starken, leicht zu viel haben kann“, befand etwa der Komponist Johann Friedrich Reichardt nach der Uraufführung von Beethovens 4. Klavierkonzert am 22.12.1808 in Wien. An der Qualität der Komposition lag es sicherlich nicht. Vielmehr waren wohl die eisige Kälte im Saal sowie die Länge des Konzerts ausschlaggebend. Das Klavierkonzert nahm in dem fast vierstündigen Programm, das unter anderem auch die Uraufführungen von Beethovens 5. und 6. Sinfonie beinhaltete, den Platz einer überdimensionierten Zugabe ein. 

Bei Anton Bruckner reichte bereits eine einzelne Sinfonie aus, dass sich bei manchen Zuhörerinnen und Zuhörern der Eindruck von zu viel des Guten einstellte. Vor allem die Uraufführung der 3. Sinfonie – mit 75 Minuten die längste Sinfonie, die bis dato geschrieben worden war – gestaltete sich als totales Debakel. Der berüchtigte Kritiker Eduard Hanslick formulierte es vorsichtig: „Wir möchten dem als Menschen und Künstler von uns aufrichtig geehrten Komponisten, der es mit der Kunst ehrlich meint, so seltsam er mit ihr umgeht, nicht gerne wehtun, darum setzen wir an die Stelle einer Kritik lieber das bescheidene Geständnis, daß wir seine gigantische Symphonie nicht verstanden haben.“ 

An der Qualität der Musiker scheiterte die Uraufführung von Bruckners „Wagner-Sinfonie“ sicher nicht. Kein geringeres Orchester als die Wiener Philharmoniker höchstpersönlich saßen am 16. Dezember 1877 auf der Bühne. Am Dirigentenpult stand ein kurzfristig eingesprungener, als Orchesterdirigent völlig unerfahrener, linkischer Mann, ein „Bauer im Flausrock und in Pluderhosen“, wie es später in einem Nachruf über ihn hieß: Anton Bruckner selbst. Auch hier hatte das Publikum bereits zuvor „an Musik des Guten zu viel“ gehabt, wie ein Kritiker vermerkte. Die Tatsache, dass Bruckner seine Sinfonie bereits um 20 Minuten im Vergleich zur ursprünglichen Fassung gekürzt hatte, half auch nicht weiter – das Publikum verließ reihenweise während der Aufführung den Saal. Bruckner schrieb anschließend in seinen Kalender: „3te Ablehnung meiner Wagner-Sinfonie Nr. 3“. Schon zuvor war er mehrmals mit seinen Vorstößen gescheitert, die Sinfonie auf die Bühne zu bringen.  

Wie es für den obrigkeitshörigen Komponisten Zeit seines Lebens typisch sein sollte, reagierte er auf solche Ablehnungen stets mit Umarbeitungen und entsprechenden Anpassungen. So sind aus der zweiten Fassung der 3. Sinfonie fast alle Anspielungen an sein großes Vorbild Richard Wagner gestrichen. Wagner polarisierte die Musikwelt damals wie heute, und vermutlich wollte Bruckner die Gunst der Nicht-Wagnerianer erlangen. Wie bereits erwähnt, reichte aber auch das nicht aus. Erst nach 18 Jahren der Umarbeitungen konnte Bruckner im Jahr 1890 bei der Uraufführung der 3. Fassung seines „Schmerzenskindes“ einen Erfolg landen.  

So unterwürfig Bruckner als Person war – die Widmung an Wagner sei hier beispielhaft zitiert: "Sr. Hochwohlgeboren Herrn Richard Wagner, dem unerreichten weltberühmten und erhabenen Meister der Dicht- und Tonkunst, in tiefster Ehrfurcht gewidmet von Anton Bruckner." – so grandios ist seine Musik.  

Zum ersten Mal zeigen sich in der Dritten die Merkmale, die auch für all seine weiteren Sinfonien kennzeichnend werden sollen: Fanfarenhafte Motivik aus leeren Quarten und Quinten, auratische Klangteppiche zu Beginn, klare Formabschnitte, die blockhaft voneinander abgesetzt sind (ganz anders als bei Richard Wagner, der unendliche Linien und die Kunst des Übergangs proklamierte), Betonung der Blechbläser, choralhafte Einschübe, Folkloristisches im Scherzo, pathetische Steigerungen im langsamen Adagio, Wiederkehr der Anfangsthemen im Finale sowie ein Schluss in versöhnlichem, hoffnungsvollem Dur.  

Letzteres findet sich auch schon bei Beethoven, etwa in dessen 9. Sinfonie, auf die sich Bruckner nicht nur mit der Tonartenwahl d-Moll/D-Dur zweifelsfrei bezieht. Anders als bei seinem Vorbild, steckt bei Bruckner hinter dem Konzept des Durchbruchs zum Licht jedoch eine tiefe Frömmigkeit und der Glaube an Erlösung im Jenseits. Die religiöse Aura seiner Sinfonien wird zudem durch die erwähnten Choraleinschübe und die blockhafte, an Orgelregister erinnernde Gegenüberstellung von Instrumentengruppen erzeugt. Hier klingt der gefeierte Orgelimprovisator Bruckner durch.  

Warum er es dennoch, bei all dem Erfolg als Organist, nicht unterlassen konnte, sich an der anspruchsvollsten und erhabensten Gattung des 19. Jahrhunderts, der Sinfonie, abzuarbeiten, erläuterte er 1891, als ihm die Urkunde zur Ehrenpromotion der Wiener Universität verliehen wurde. Bruckner bestand darin ausdrücklich auf der Titulierung „als Symphoniker“, „weil darin stets mein Lebensberuf stand“, „…dafür habe ich mein Leben eingesetzt, u auch meine Auszeichnungen erhalten.“ 

Christoph Eschenbach begann seine internationale musikalische Karriere als Pianist. Seit 1972 steht er außerdem als Dirigent am Pult der renommiertesten Orchester der Welt und ist Gast der bedeutendsten Opernspielstätten. Er wirkte als musikalischer und künstlerischer Leiter der Tonhalle-Gesellschaft Zürich sowie als musikalischer Direktor des Houston Symphony Orchestra, des NDR Sinfonieorchesters, des Orchestre de Paris und des Philadelphia Orchestra. Außerdem leitete er das Kennedy Center for the Performing Arts und das National Symphony Orchestra in Washington. Regelmäßig dirigiert er bei den Salzburger Festspielen und beim Schleswig-Holstein Musik Festival, wo er das Festivalorchester leitet. Seine Vielseitigkeit und sein großer Innovationsdrang brachten ihm als Dirigent, künstlerischem Partner und tatkräftigem Förderer junger Talente weltweite Anerkennung und zahlreiche höchste Auszeichnungen. Von 2019 bis 2023 war er Chefdirigent des Konzerthausorchesters. Im September 2024 übernahm Christoph Eschenbach die künstlerische Leitung der Breslauer Philharmonie am Witold-Lutosławski-Nationalforum für Musik in seiner Geburtsstadt.

Der 20-jährige Simon Haje, der bereits mit neun Jahren als Jungstudent an der Universität der Künste in Berlin aufgenommen wurde, gilt als einer der vielseitigsten und talentiertesten deutschen Nachwuchspianisten. Sein Repertoire reicht von Barock bis Gegenwart. So hat er mehrere der komplexesten Klavierwerke von Ligeti erarbeitet und aufgeführt, und weitere Projekte stehen an. Bei internationalen Klavierwettbewerben erhielt Simon Haje zahlreiche Preise, zuletzt bei vier Wettbewerben als Erster Preisträger in Folge (Neuchâtel, Aarhus, Kronberg, Orbetello). Daraus folgten Einladungen zu moderierten Solo- oder Duo-Recitals im Beethovenhaus Bonn, in der Laeiszhalle Hamburg und bei verschiedenen nationalen und internationalen Musikfestivals. Sein Orchesterdebüt gab Simon Haje mit 12 Jahren als Solist im Schlosstheater Rheinsberg. Es folgten Orchesterkonzerte unter anderem in der Tonhalle Düsseldorf und der Berliner Philharmonie mit Klavierkonzerten von Bach, Mozart, Beethoven, Weber, Mendelssohn, Chopin und Rachmaninow. 

Simon Haje ist Stipendiat der Deutschen Stiftung Musikleben, der Musikakademie Liechtenstein, der Daniel Hope Academy, der Richard-Wagner-Stipendienstiftung und der Studienstiftung des Deutschen Volkes. Aufgrund seiner Leistungen wurde er 2022 zum Young Steinway Artist ernannt.  

Ein Interview ohne Worte mit Christoph Eschenbach – inspiriert von einer beliebten Rubrik im SZ-Magazin haben wir Christoph Eschenbach gebeten, für seine Antworten nur Mimik und Gestik zu benutzen. Mit Fotos von Co Merz.