Konzerthausorchester Berlin
Joana Mallwitz Dirigentin
Rundfunkchor Berlin
Benjamin Goodson Choreinstudierung
Staats- und Domchor Berlin
Kai-Uwe Jirka Choreinstudierung
Liudmyla Monastyrska Sopran
Bogdan Volkov Tenor
Samuel Hasselhorn Bariton
 

Konzert ohne Pause

Programm

Benjamin Britten (1913 – 1976)
„War Requiem“ für Sopran, Tenor, Bariton, gemischten Chor, Knabenchor und Orchester op. 66 nach Gedichten von Wilfried Owen
I. Requiem aeternam
II. Dies irae
III. Offertorium
IV. Sanctus
V. Agnus Dei
VI. Libera me

II.

Benjamin Britten komponierte sein „War Requiem“ op. 66 zur Einweihung der neuen Kathedrale von Coventry: In der Nacht des 14. November 1940 war die englische Stadt Coventry mit ihrer ehrwürdigen mittelalterlichen St. Michaels-Kathedrale durch die deutsche Luftwaffe völlig zerstört worden. Der Name Coventry wurde zum Sinnbild des Luftterrors überhaupt.

Am 25. Mai 1962 wurde der 1954 begonnene Neubau der Kathedrale in Anwesenheit der Königin feierlich eingeweiht, am 30. Mai erlebte dann Brittens „War Requiem“ in dieser Kirche seine Uraufführung. Die metrischen und akustischen Dimensionen dieses gewaltigen Kirchenraumes hatte Britten in die Konzeption des Werkes einzubeziehen gewusst.

Britten komponierte zu diesem feierlichen Anlass keine volltönende Festmesse und kein jubelndes Te Deum, sondern ein Requiem für die Toten des Krieges. Und es sollte in diesem Werk nicht bei einer internen liturgischen Feier bleiben – die Toten selbst ergreifen in diesem Requiem die Stimme und brechen die übliche Fürbitte auf: So wie der Neubau der Kathedrale die Ruinen der zerstörten Kirche als Mahnmal für die Überlebenden mit einbezog, so kommen in Brittens Requiem neben den traditionellen Gebetstexten und Fürbitten, wie sie im lateinischen Messformular der Missa pro defunctis enthalten sind, auch die Millionen Kriegstoten zu Wort, um in eindringlicher Weise die Menschen unserer Zeit immer wieder auf den Wahnsinn des Krieges mit lauter Stimme hinzuweisen.

III.

Nach den ersten Textworten des Introitus (Eingang) „Requiem aeternam dona eis, Domine“ (Ewige Ruhe gib ihnen, Herr) bezeichnet man die Messe für die Verstorbenen auch als Requiem. Die Gemeinde versammelt sich am Altar, um Gottes Wort zu hören, Eucharistie zu feiern und Fürbitte zu halten zum Gedächtnis der Verstorbenen. Die Texte, die innerhalb dieser Gedächtnismesse gesungen werden, sind in ihrer künstlerischen Ausgestaltung in besonderer Weise aus der gedenkenden Fürbitte hervorgehoben. Das Sterben des Menschen wird gesehen vor dem Hintergrund des bevorstehenden Endgerichtes, in dem Christus als der Weltenrichter über die Menschen nach ihren Taten befinden wird. Christus, der durch sein Leiden die Sünde der Welt trägt, wird um Rettung vor dem ewigen Tod angerufen. In den biblischen Lesungen, in Brot und Wein als den Gaben der Eucharistie ist Christus auch in dieser Gedächtnismesse unter der feiernden Gemeinde gegenwärtig.

Benjamin Britten legte seinem „War Requiem“ die traditionelle liturgische Textordnung der Missa pro defunctis mit Introitus (Eingang) „Requiem aeternam“ und Kyrie, Sequenz „Dies irae“, Offertorium (Gesang zur Gabenbereitung) „Domine Jesu Christe“, Sanctus, Agnus Dei zugrunde, ergänzt durch das als Responsorium ad absolutionem gesungene „Libera me“ (verbunden mit dem Prozessionsgesang „In paradisum deducant angeli“). Eine weitere wichtige Voraussetzung bei der Werkkonzeption bildeten die Erfahrungen der großen Requiem-Kompositionen des 19. Jahrhunderts, etwa durch die auf Mozarts Requiem aufbauenden Werke von Hector Berlioz, Giuseppe Verdi, Antonín Dvořák oder Gabriel Fauré.

Als zweite Textschicht vertonte Britten mehrere Gedichte des im Ersten Weltkrieg gefallenen englischen Dichters Wilfred Owen (1893-1918), in denen das ganze Elend des Krieges in Worte gefasst wird. Diese Texte dringen ein in die meditative Betrachtung und Fürbitte des liturgischen Textes, brechen das traditionelle Ritual des Totengedenkens auf und schreien die Zweifel an der Weltordnung laut hinaus. Fast jeder Satz des traditionellen Requiem-Textes wird mit quälender Bitterkeit hinterfragt – und damit auch die Frage gestellt nach dem liebenden Gott, der die Geschicke der Welt lenkt, dessen Allmacht und Güte den Seelen der im Glauben Verstorbenen im Paradies eine neue Heimat geben soll. Am Ende bleibt Ratlosigkeit: An wen soll man denn das Gebet, die Fürbitte für die Toten richten, wen soll man um Fürsprache anrufen, wenn sich Gott, der Schöpfer des Himmels und der Erde, der sichtbaren und unsichtbaren Dinge, vor den Menschen als den Verschuldern des Weltelends verborgen hält?

Den verschiedenen Textschichten werden die getrennt postierten Klangkörper des Werkes zugeordnet: Der lateinische Text der Missa pro defunctis wird vom gemischten Chor mit Sopran-Solo, begleitet durch das große Orchester, vorgetragen, an einigen Stellen treten Kinderchor und Orgel hinzu. Die Vertonungen der Owen-Gedichte sind einem Tenor- und einem Bariton-Solo überantwortet, deren Begleitung ein vom großen Orchester separat aufgestelltes Kammerorchester übernimmt. So wird der Gegensatz der Textebenen, der die dramatische Spannung des Werkes bewirkt, auch im aufgebotenen Vokal- und Instrumentalapparat dem Hörer stets erfahrbar.

Die wahrscheinlich auf den Franziskanermönch Thomas von Celano (geb. um 1190 – gest. um 1260) zurückgehende Sequenz „Dies irae“, bis zur letzten Liturgiereform Bestand der Missa pro defunctis, beschreibt in höchst bildhafter Sprache die Schrecken des Jüngsten Gerichts. Die großen Requien seit der Barockzeit und in deren Nachfolge die berühmten Werke von Mozart, Cherubini, Berlioz oder Verdi überboten sich in der drastischen Ausgestaltung des Infernos. In der Verbindung mit den Gedichten von Wilfred Owen gelingt Britten eine völlig neue, bittere Sicht des Jüngsten Tages: Auch der Tag des Schreckens hat einen Morgen, und so erleben die toten Soldaten noch einmal diesen letzten Morgen ihres Lebens, der für sie die Schrecken des Jüngsten Gericht bereits vorwegnahm. Chor und Sopran-Solo schreien die Todesangst laut heraus – Tenor und Bariton als Stimmen der Toten berichten dagegen von ihrer ständigen und sogar freundlichen Vertrautheit mit dem Tod. Die Hölle hat für sie die Schrecken verloren. Das bittere Resümee dieses Tages, während die das Requiem feiernden Menschen noch von Gericht und Sünde singen: „Was trieb die törichten Sonnenstrahlen, sich abzumühen, den Schlaf der Erde überhaupt zu stören?“ Die Fürbitte der Lebenden kommt zu spät, denn der Tag des Schreckens ist schon eingetreten.

Als Offertorium (Opfergang – Gesang zur Gabenprozession) enthält das Formular der Missa pro defunctis die (hier vom Kinderchor angestimmte) Fürbitte des „Domine Jesu Christe, Rex gloriae“, in der Christus um Rettung der Seelen der Verstorbenen aus dem ewigen Feuer angerufen wird. Sankt Michael als Bannerträger (der Erzengel Michael ist denn auch der Titelpatron der Kathedrale von Coventry) soll die Seelen der Gerechten ins Licht führen, wie es einst Abraham und seinem Geschlecht verheißen worden war. Vor dem Versus „Hostias et preces“ (wieder vom Kinderchor vorgetragen) und der als Repetenda wiederholten Abrahamsverheißung schob Britten jedoch wieder ein Gedicht von Wilfred Owen ein, das das Opfer Abrahams schildert: Im Auftrag des Herrn machte sich Abraham schweren Herzens auf den Weg, um in seinem Gehorsam gegen den Herrn selbst seinen einzigen Sohn Isaak, auf dem ja eigentlich die Verheißung ruhen sollte, dem Herrn zu opfern. In der Bibel wird Abraham jedoch vom Herrn selbst daran gehindert, seinen Sohn zu opfern – stattdessen wurde ein Widder auf dem Opferaltar geschlachtet. Owen und ihm folgend dann Benjamin Britten erzählen jedoch diese Geschichte anders weiter: Der alte Mann in seiner Verblendung und in seinem Ungehorsam hörte nicht auf die Stimme seines Gottes, sondern opferte seinen Sohn und die halbe Saat Europas, einen nach dem anderen (das „one by one“ wird in der Komposition unerbittlich wiederholt), bis die Jugend Europas ausgelöscht scheint. Und wenn dann in der Repetenda die Verheißung an Abraham und seine Kinder erneuert wird, fragt sich der betroffene Hörer, wer überhaupt noch übriggeblieben ist, diese Verheißung zu erleben.

In der traditionellen Totenmesse behält das Sanctus im allgemeinen seinen Charakter als klangprächtiger oder meditativer Lobpreis auf den dreieinigen Gott, wie ihn bereits der Prophet Jesaja in seiner Vision (vgl. Jes 6,3) geschaut hatte, die schließlich die Textgrundlage für den liturgischen Text stellte. Auch Brittens „War Requiem“ bietet zunächst den vollen Apparat einschließlich des Glockenläutens zur preisenden Anrufung des Höchsten auf, einmal mehr jedoch verweigern sich die Toten dem traditionellen Ritual, indem sie in den lauten Klängen immer wieder gleichsam traumatisch auch den Schall der Trommeln und Streitwagen hören: „Meine alten Narben sollen nicht verherrlicht werden!“

Im Gesang des Agnus Dei wird in jedem Mess-Gottesdienst Christus als das Lamm Gottes angerufen, dessen wahre Gegenwart in Gestalt der eucharistischen Gaben Brot und Wein der zelebrierende Priester in den Händen hält und der Gemeinde zeigt. In Owens Versen (Tenor-Solo), die Britten mit dem Text des Agnus Dei (Chor) verband, ist Christus gegenwärtig als der Gekreuzigte inmitten der Ruinen, inmitten der Getöteten.

Das „Libera me, Domine“ gehört ursprünglich nicht in den Rahmen der Texte der Missa pro defunctis, es wurde als Responsorium ad absolutionem (Antwortgesang zur Absolution, d. h. Freispruch von Sündenstrafen) am Grab der Verstorbenen gesungen. Nachdem die ersten mehrstimmigen Requien des 15. und 16. Jahrhunderts diesen Text ebenfalls vertont hatten, führten die Requien von Verdi und Fauré diesen Teil wieder in den Rahmen der Requiem-Komposition ein. Auch Britten fand in seinem „War Requiem“ eine sehr eindrucksvolle Lesart dieses Textes: Auf das angstvolle Zittern und Beben der Lebenden, die ihre Angst vor den Sündenstrafen laut herausschreien (Chor und Sopran-Solo), antworten die Toten in beklemmender Ruhe: Sie haben die Hölle bereits auf Erden erfahren, die Schrecken des Totenreiches können ihnen nichts mehr anhaben. Im von einem fast tonlos zu singenden Rezitativ getragenen Dialog betrauern die Toten die Hoffnungslosigkeit der für die ganze Menschheit sinnlos verlorenen Jahre und erkennen sich im Totenreich als die ehemaligen Gegner wieder: „Ich bin der Feind, den du getötet hast, mein Freund.“

Und während die Chöre mit anwachsender Stimmkraft den Gesang des „In paradisum deducant angeli“ als letzte Fürbitte für die Verstorbenen auf dem Weg in das himmlische Jerusalem anstimmen (wobei der orgelumglänzte Kinderchor gleichsam die „Chöre der Engel“ versinnbildlichen soll), die Totenglocken erneut geläutet werden, möchten die Toten des Krieges eigentlich nur noch in Ruhe gelassen werden: „Lasst uns nun schlafen.“

Brittens „War Requiem“ schließt mit der traditionellen Bitte für die Verstorbenen „Requiescant in pace“ (Mögen sie ruhen in Frieden) und setzt das „Amen“ dahinter als das traditionelle Siegel jüdisch-christlichen Gottvertrauens. In einem „War Requiem“ erhält diese Bitte um Frieden einen neuen, zusätzlichen und sehr bitteren Akzent, auf den das ganze Werk ausgerichtet ist – den Toten zu ehrendem Gedenken und den Lebenden zur Mahnung.

Mit Beginn der Saison 2023/24 ist Joana Mallwitz Chefdirigentin und Künstlerische Leiterin des Konzerthausorchesters Berlin.

Spätestens seit ihrem umjubelten Debüt bei den Salzburger Festspielen 2020 mit Mozarts „Cosi fan tutte“ zählt Joana Mallwitz zu den herausragenden Dirigent*innenpersönlichkeiten ihrer Generation. Ab 2018 als Generalmusikdirektorin am Staatstheater Nürnberg tätig, wurde sie  2019 als „Dirigentin des Jahres“ ausgezeichnet. In den vergangenen Jahren war sie an der Nationale Opera Amsterdam, dem Opera House Covent Garden, an der Bayerischen Staatsoper, der Oper Frankfurt, der Royal Danish Opera, der Norwegischen Nationaloper Oslo und der Oper Zürich zu Gast.

Konzertengagements führten sie zum Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, HR- und SWR-Sinfonieorchester, den Dresdner Philharmonikern, dem Philharmonia Orchestra London, den Münchner Philharmonikern, dem City of Birmingham Symphony Orchestra, dem Orchestre National de France, dem Orchestre de Paris und den Göteborger Symphonikern und als Porträtkünstlerin zum Wiener Musikverein.

Nach ihrem langjährigen Engagement als Kapellmeisterin am Theater Heidelberg trat Mallwitz zur Spielzeit 2014/2015 als jüngste Generalmusikdirektorin Europas ihr erstes Leitungsamt am Theater Erfurt an. Dort rief sie die Orchester-Akademie des Philharmonischen Orchesters ins Leben und begründete das Composer in Residence-Programm „Erfurts Neue Noten“. Ihre ebenfalls in dieser Zeit konzipierten „Expeditionskonzerte“ wurden auch am Staatstheater Nürnberg und als Online-Format ein durchschlagender Erfolg.

In seiner langjährigen Geschichte arbeitete der Chor mit zahlreichen namhaften Dirigenten zusammen, darunter Carlos Kleiber, Otto Klemperer und Kurt Masur, und sang diverse Uraufführungen von Werken Arthur Honeggers, Darius Milhauds und Kurt Weills. Seit der Spielzeit 2015/2016 ist Gijs Leenaars Chefdirigent und künstlerischer Leiter des Chors. Chorsinfonische Konzerte, Mitsingkonzerte, Internationale Meisterklasse für Chordirigieren oder die Education-Initiative SING! – der Rundfunkchor Berlin ist viel mehr als ein Konzert- und Studiochor. Er beschreitet neue Wege, die das klassische Konzertformat aufbrechen, und entwickelt neuartige Erlebnisweisen von Chormusik. Mit seinen 64 Sängerinnen und Sängern eröffnet der Chor mit ungewöhnlichen Projekten neue Erlebniswelten. In den letzten Jahren hat der Chor durch die Verschmelzung verschiedener künstlerischer Disziplinen das klassische Konzertformat immer weiter aufgebrochen – bis hin zur vollständigen Aufhebung der räumlichen Trennung von Sängern und Publikum bei der internationalen Erfolgsproduktion „human requiem“. Mit seiner Akademie und Schola ergänzt der Chor das Bildungsangebot der Hochschulen für den professionellen sängerischen Nachwuchs. Getragen wird das Ensemble von der Rundfunk Orchester und Chöre GmbH in Berlin.

ist die älteste musikalische Einrichtung Berlins. Seine Gründung geht auf 1465 zurück. Zu internationalem Ansehen kam das Ensemble erstmals im 19. Jahrhundert unter der Leitung von Felix Mendelssohn Bartholdy, Otto Nicolai und August Neithardt. Mit dem Ende der Monarchie verlor der Königliche Hof- und Domchor nach dem Ersten Weltkrieg sein politisches und finanzielles Fundament. Er wurde 1923 als „Staats- und Domchor Berlin” der Staatlichen Hochschule für Musik, der heutigen Universität der Künste Berlin, angegliedert.
Nach dem Fall der Mauer singt er seit 1990 wieder im Berliner Dom. Konzertreisen führten ihn in viele Länder Europas, in die USA, nach Japan, Russland und Israel. Neben zahlreichen Preisen, unter anderem beim Deutschen Chorwettbewerb, wurde der Chor 2002 mit dem Europäischen Jugendchorkulturpreis ausgezeichnet und 2006 für einen Grammy Award nominiert. Das Berliner Musikleben bereichern die Ensemblemitglieder durch Auftritte in Produktionen der Opernhäuser und durch Mitwirkungen bei Konzerten in der Berliner Philharmonie. Derzeit werden über 250 Knaben- und junge Männerstimmen im Staats- und Domchor Berlin ausgebildet. Kai-Uwe Jirka wirkt seit 2002 als Professor für Chorleitung und Leiter des Staats- und Domchors Berlin an der Universität der Künste Berlin, seit 2006 ist er zudem Künstlerischer Leiter der Sing-Akademie zu Berlin.

In Kiew geboren, debütierte Liudmyla Monastyrska 1996 an der Ukrainischen Nationaloper als Tatjana („Eugen Onegin“). Bereits zwei Jahre nach ihrem Studienabschluss an der dortigen Tschaikowsky-Musikhochschule wurde sie Erste Solistin des Hauses. Nach ihrem vielbeachteten Debüt 2010 an der Deutschen Oper Berlin in der Titelrolle von Puccinis „Tosca“ wird sie regelmäßig von europäischen, amerikanischen und asiatischen Opernhäusern eingeladen.

Zu ihren Engagements gehören „Turandot“ an der Staatsoper Berlin, Abigail in „Nabucco“ und Tosca an der Metropolitan Opera in New York, die Sopranpartie in Verdis Requiem mit dem Orchestre National de Lyon, Lady Macbeth in „Macbeth“ an der Canadian Opera Company in Toronto und an der Bayerischen Staatsoper München, „Aida“ in der Arena di Verona und am Teatro di San Carlo in Neapel, Amelia in „Un ballo in Maschera“ an der Bayerischen Staatsoper München, Leonora in „La forza del destino“ am Teatro Regio in Parma oder Aida und Abigail am Royal Opera House Covent Garden.

Liudmyla Monastyrska ist auf DVDs von „Macbeth“ und „Nabucco“ zu sehen/hören – beide aus der Königlichen Oper (Opus Arte), und auf der Sony Classics-DVD von „Cavalleria Rusticana“ von den Salzburger Osterfestspielen 2015 mit der Staatskapelle Dresden.

Der Tenor Bodgan Volkov studierte am Glier Kyiv Institute of Music und machte seinen Abschluss an der Tschaikowsky-Musikhochschule. Danach war er Mitglied des Young Artists Program des Bolschoi-Theaters in Moskau und wurde später in dessen Ensemble aufgenommen. Ausgezeichnet wurde er mit dem Ersten Preis und dem Publikumspreis beim Pariser Opernwettbewerb 2015 sowie mit dem Zweiten  Preis beim Operalia-Wettbewerb von Plácido Domingo 2016. In den USA trat er als Tybalt in „Romeo et Juliette“ an der Metropolitan Opera, als Don Ottavio in „Don Giovanni“ an der Palm Beach Opera sowie als Tamino in „Die Zauberflöte“ an der LA Opera auf. Zu den Höhepunkten der letzten Spielzeiten zählen „Die Erzählungen von Zar Saltan“ am La Monnaie in Brüssel und „Eugen Onegin“ an der Wiener Staatsoper, beide unter der Regie von Dmitri Tcherniakov, sowie „Così fan tutte“ bei den 100. Salzburger Festspielen unter der Regie von Christof Loy. Mit der Rolle des Ferrando gab Bogdan Volkov 2021 sein Debüt am Teatro alla Scala di Milano und später am Royal Opera House. Auf dem Konzertpodium sang er in Brittens „Les Illuminations“ mit dem Liszt Chamber Orchestra in Budapest, Mozarts Requiem an der Felsenreitschule in Salzburg sowie ein Solorezital in Mulhouse. Seit der Spielzeit 2023/24 gehört er zum Ensemble der Staatsoper Unter den Linden Berlin.

Samuel Hasselhorn hat sich spätestens seit dem Gewinn des Königin-Elisabeth-Wettbewerbs 2018 international einen Namen sowohl im Liedfach als auch auf der Konzert- und Opernbühne gemacht. Die aktuelle Saison ist geprägt unter anderem von Neuproduktionen am Staatstheater Nürnberg, dessen Ensemble er angehört (unter anderem Titelpartien in Hindemiths „Mathis der Maler“ und in Mozarts „Don Giovanni“), von seinem Hausdebüt an der Deutschen Oper Berlin (Wolfram in „Tannhäuser“) und der Titelpartie in Rossinis „Il barbiere di Siviglia“ an der Staatsoper Berlin. Konzerte der aktuellen Saison führen ihn an das Konzerthaus Wien (Matthäuspassion), an die Alte Oper Frankfurt (Mahlers „Kindertotenlieder“) sowie in zahlreiche europäische Städte im Rahmen einer Tournee mit dem Collegium Vocale Gent und dem Orchestre des Champs-Élysées unter der Leitung von Philippe Herreweghe (Mozarts Requiem). Mit Liederabenden tritt er in Jerusalem, Genf, Oxford, Madrid und Berlin auf. Der Preisträger zahlreicher Wettbewerbe studierte an der HMTM Hannover bei Marina Sandel sowie am Conservatoire National Supérieur de la Musique et de Danse de Paris bei Malcolm Walker. Zuletzt erschienen beim Label Harmonia Mundi seine CDs „Stille Liebe“ (2020) mit Liedern von Robert Schumann und das Schubert-Programm „Glaube. Liebe Hoffnung“ (2022), beide mit dem Pianisten Joseph Middleton, sowie als erstes Album des Projekts Schubert 200 „Die schöne Müllerin“ (2023) mit Ammiel Bushakevitz als Begleiter.